XXVIII ENCUENTRO NACIONAL DE AMANTES DEL TEATRO Por Mario Ficachi

XXVIII ENCUENTRO NACIONAL DE AMANTES DEL TEATRO

Por Mario Ficachi

 

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Nuevamente estamos ante la aventura de ver Teatro durante buena parte del mes de enero de 2016. Una noticia relevante de la presente emisión es que se llevará a cabo, como en años anteriores, en el conocido Teatro Julio Jiménez Rueda, lo que es resultado de la movilización que hiciera parte de la comunidad artística y vecinos de las colonias aledañas. Se daba por hecho que tanto el recinto cultural como el estacionamiento formarían parte de un complejo habitacional y comercial del tipo de Reforma 22; esto hasta el momento parece haberse aplazado u olvidado, lo que nos permite usarlo como sede nuevamente. La población organizada puede generar cambios radicales en el país, esto dejó de ser una simple frase para convertirse en realidad; es el caso del Corredor “Cultural” Chapultepec y la conciencia que se ha creado en torno a la desaparición de los 43 estudiantes de Ayotzinapa Gro.

 

Ésta edición del evento del Centro Mexicano de Teatro miembro del Instituto Internacional de Teatro de la UNESCO contará con la presencia de cincuenta y cuatro grupos algunos provenientes de diversos estados de la República. Tendremos la oportunidad de constatar los avances o no de grupos que ya se han presentado en otras ocasiones y de ver por primera vez, (hablo de mi persona), un grupo de Los Cabos, Baja California, uno de Irapuato Guanajuato y uno que se ha inscrito cómo México-Perú. Las incógnitas se irán despejando.

 

Hemos dado inicio el día jueves 8 de enero. El cierre será el domingo 31 del mes a las 20 horas. La entrada es libre. De jueves a lunes veremos a cientos de espectadores esperando turno para tener la oportunidad de ver alguna de las obras; se trata de un fenómeno digno de reconocimiento pues entre otros, su objetivo es el de la creación de públicos a quienes como único gesto de participación se les solicita apagar su teléfono celular, tablet u otros gadgets, no tomar fotografías y estar atentos a lo que han de presenciar. Teatro para niños los domingos, musicales, drama, comedia, monólogos, nuevos autores, títulos reconocidos, un director de cine, estudiantes, profesionales, jóvenes y no tan jóvenes participantes. Todo ello será nuestro banquete de inicio del 2016… un excelente comienzo de año sin duda. Felicitaciones a todos cuantos intervienen en la realización de tan gran evento. 

 

Como es mi costumbre he de escribir sobre los montajes que tenga oportunidad de ver. Discúlpenme anticipadamente si no están de acuerdo con mis percepciones sobre su trabajo. No haré sino un testimonio de mi propia opinión tan acertada o equivocada como la de cualquiera. 

Saludos.

MF

 

TRAINSPOTTING , LA VIDA EN EL ABISMO

Por Mario Ficachi

El título de ésta obra le será conocido a cualquier cinéfilo, en efecto se trata de una adaptación para Teatro de la película del mismo nombre estrenada hace justo 20 años, en 1996.  “Trainspotting es una película británica dirigida por Danny Boyle y basada en la novela homónima escrita por Irvine Welsh. Narra la punzante historia de un grupo de jóvenes heroinómanos de los suburbios de Edimburgo que no tienen aspiración alguna por la vida salvo drogarse o conseguir dinero sucio. El único que aparentemente puede escapar de este destino autodestructivo es su protagonista, Mark Renton”.

Por cierto el actor Vicente Flores que interpreta al personaje de Marco tiene un gran manejo del espacio, de su voz, su cuerpo y todas sus intenciones. Gracias a él la primera parte de la obra tiene ritmo y va dejando un sabor de comedia agradable para el público aun tratándose de temas como la drogadicción, el sexo o la escatología. En general los actores están entrenados, son disciplinados y atraen la atención del espectador; mejor ellos que ellas. 

“Esto es lo que vales; pura mierda” Es lo que finalmente nos dice la obra. Pura mierda cuando de caer en el juego de las drogas se trata. Y es el caso de los personajes y de la vida diaria sin duda.

Gabriel Retes (Ciudad de México, 1947) es director de cine autor de  “Bienvenido Welcome”, “Nuevo Mundo”, “El bulto” entre otras y ahora director de esta puesta en escena. Deja ver su capacidad para usar el espacio con muy pocos elementos escenográficos, su dominio de los personajes y su forma de abordarlos. Algunos gags son producto de la improvisación lo cual nos está haciendo ver la libertad que el director da a sus actores. La parte en que se muestra lo manchado que resultan las manos de los políticos mexicanos es muy acertada. Ojalá Retes dirigiera con más frecuencia Teatro. 

Retes se engolosina con ciertos recursos que si bien resultan efectivos terminan por dejar de serlo al reiterarse demasiado, me refiero al Play back entre los personajes. 

La obra según la ficha técnica es un “Drama con bis cómico” o sea un melodrama. Participan Vicente Flores, Fernando Juvenal (excelente en varios papeles) Meritxell Galez, Adrián Mata (muy interesante su transición de no consumidor a jonky), Pamela Fink, Nancy Mota, Daniel Pinte y Ada Luna. El montaje dura 100 minutos con un intermedio que sorprende al público (me parece que debiera omitirse) y está dirigida a estudiantes de educación media superior. Esto se nota por la forma y cantidad de veces que los actores hacen referencia a ciertos temas.

Un buen comienzo del XXVIII Encuentro Nacional de Amantes del Teatro.

 

SIN SOMBRERO Y CON GUARLAPAS

Por Mario Ficachi

“Escríbeme una obra de Teatro” pidió el joven Alejandro Lustrial al dramaturgo/poeta Medardo Treviño  quien no sólo escribió un monólogo para él sino que terminó convirtiéndolo en un gran actor. 

El texto nos cuenta la historia de un joven norteño acostumbrado a tener quien lo mantenga, pierde a su abuelo que es quien lo sostiene económicamente y se enfrenta a la necesidad de resolver su situación económica de la manera que se le presente… sea cual sea… así lo mismo se hace prostituto, cantante o animador de burdeles. Hay detrás del personaje algunos elementos que lo enriquecen como su relación paterna, los complejos por su propia estatura, sus miedos como actor, sus fantasmas. Todo ello será expuesto con soltura y eficiencia por Alejandro.

Una obra entretenida digna de la pluma de un excelente escritor autor de “La danza circular de María” dirigida por Victor Carpinteiro y actuada magistralmente por Ángeles Marín y Javier Escobar en el Círculo Teatral de la colonia Condesa.

“Actor, director, dramaturgo, promotor cultural y periodista tamaulipeco, él es Medardo Treviño González; nació el 3 de Julio de 1959 en el Rancho “El Chapotito” (Rio Bravo) propiedad de su abuelo, es el mayor de 10 hijos engendrados por Medardo Treviño y Guadalupe González. Ha llevado al teatro tamaulipeco más allá de nuestras fronteras donde ha conquistado reconocimientos internacionales que lo amerita como un tamaulipeco sin fronteras”.

Así se expresan de Medardo en “El Mercurio” de natal Tamaulipas. Añado a esta introducción que Treviño fue alumno y amigo de la dramaturga Altair Tejeda (qepd) de quien fuimos amigos durante su corta estancia en la ciudad de México a mediados de los años setenta.

Pero volvamos a la obra y su intérprete Alejandro Lustrial. La soltura y dominio de la escena con que el joven actor se desempeña, queda evidenciada principalmente a través dos escenas: La muerte del abuelo y la escena de las tortillas de harina; si bien ambas escenas tienen un texto insuperable es relevante anotar que Lustrial las interpreta con sensibilidad y lo más importante con verosimilitud.

Mucho ha de hablarse en el futuro de este actor y de su director y amigo Medardo Treviño quien ya recibió el premio de la mejor obra de 2015 otorgado por la Agrupación de Críticos y Periodistas de Teatro A.C. precedida por Gustavo Suarez miembro del Comité de Análisis y Testimonio de este XXVIII Encuentro Nacional de Amantes del Teatro. 

 

HUEHUETLATOA

Por Mario Ficachi

Por primera vez desde que yo he sido invitado a estos Encuentros organizados por el Centro Mexicano de Teatro constato la participación del Municipio de Acapulco Gro. Esta ocasión mediante el grupo Teatral “La Gruta” dirigido y actuado por Manuel Maciel Campos interpretando a un chamán. Formar un grupo en un lugar como Acapulco no debe resultar sencillo, quizá por eso Manuel Maciel, aunque amparado por el nombre de “La Gruta” prefiere presentar un unipersonal. 

Huehuetlatoa es según leemos en el programa de mano una pieza ritual. La presencia de Maciel es imponente, siendo un hombre a quien calculamos algo más de cincuenta años hay que admirar el dominio de su expresión corporal e incluso la imagen misma de un indígena adentrado en el ritual de la “Palabra de los viejos”. Se nota la experiencia que el actor tiene como mimo e incluso como payaso ya que haciendo pareja con “El tallarín de la sopa aguada” Salvador Arizmendi, reconocido payaso del estado, hace tiempo montaron una memorable Clowdisea (Odisea payasa) presentada en alguna ocasión en el Festival Artístico y Cultural Juan N. Álvarez en el zócalo del puerto. 

Nuestro protagonista contará la historia del chupamirto o colibrí (Huitzitzilli) que debe visitar al Rey Sol, a su hermano el viento y a su hermana la reina de las aguas para pedir que vuelva la paz entre los hombres. Él que sólo tiene colores grises en su plumaje es premiado con los colores del arcoiris por la proeza de haber salido con vida de su aventura.

Hay en el trabajo de Maciel un acercamiento al público que en mi opinión desvirtúa el ritual que ha venido contando. No siempre hacer intervenir al espectador es un recurso apropiado y creo que en este caso no es necesario. Con su los pocos elementos de una humilde ofrenda, su propio cuerpo y los juegos que el maestro hace con su voz el espectáculo resultaría redondo.

El público lo despidió con una gran ovación.

 

RIÑÓN DE CERDO PARA EL DESCONSUELO

Por Mario Ficachi

Esperaba ansiosamente ver esta obra puesto que fue la ganadora de varios premios hace dos años en el 6º Rally de Teatro Independiente organizado por la Compañía El árbol en el Centro Cultural El Foco. Por alguna razón no la pude ver aun siendo parte del jurado. Los comentarios fueron excelentes. En aquella ocasión la dirigió Jesús Nuñez Giles; los actores: Yael Rodriguez y Jorge Sánchez. La obra de Alejandro Ricaño (Xalapa 1983) Premio Nacional de Dramaturgia 2008, es un drama mezcla del Teatro del absurdo con momentos melodramáticos y final trágico-cómico… Extraño ¿verdad? Pero es así… por ello me lleno de expectativas. Creo que las etiquetas en el Teatro van perdiendo color; ya no es necesario (ni recomendable) asirse a un género como dogma, la libertad del director y los actores está en juego para jugar… y este texto tiene todo para ello.

La Compañía DesenCajados la presenta en la edición XXVIII del Encuentro Nacional de Amantes del Teatro con Iván Chimal, María Bravo y Emilio Braojos (éste último sin texto cuya finalidad es crear un ambiente de violencia presente en toda la obra). La dirección es de Raúl Santamaría. El problema de dicción al que se enfrentan Iván (mucho menos pero presente) y María (en momentos imposible de comprender) hacen que la obra —de pos sí compleja— se haga larga y aburrida. Es probable que los actores hayan ensayado en un espacio sumamente pequeño pero al presentarse en el Teatro Jiménez Rueda están obligados a proyectar la voz… y su director a exigírselos. Eso jugó en su contra. Por otra parte la relación de los personajes Marie y Gustav amantes parisinos es cercana, tanto que llega a ser asfixiante, lo que dista mucho de presentarse en escena.  

El público la aplaudió sin entender bien a bien sus referentes y es que hablar de Samuel Beckett, del Ulises de James Joyce, y de los pormenores de Esperando a Godot pueden confundir a cualquiera. La obra ha sido presentada en diferentes foros, lo mismo en la ciudad de México como en Guadalajara y en Buenos Aires Argentina (los argentinos le quitaron más de 20 minutos).

Tienen en las manos un texto interesante… ojalá corrijan sus faltas para mejorar su trabajo actoral y por supuesto de dirección.

 

NI PRINCESAS NI ESCLAVAS

Por Mario Ficachi

Obra de Humberto Robles (Ciudad de México, 1965) Premio Nacional de Dramaturgia “Emilio Carballido” 2014. Uno de los dramaturgos más conocidos a nivel mundial por su texto “Mujeres de arena”. Sus obras de teatro han sido montadas y representadas en varios lugares de México así como en varias ciudades de Alemania, Australia, Uruguay, Paraguay, Brasil, Bélgica, Argentina, Puerto Rico, Canadá, Chile, Costa Rica, Colombia, Bolivia, Venezuela, Cuba, Italia, España, Francia, Escocia, Inglaterra, República Checa, Portugal, Panamá, Perú, República Dominicana y Estados Unidos. 

Él mismo califica su trabajo como standupero, cabaretoso y teatral. Y ésta obra lo confirma. Tres mujeres que se presentan una por una al público para que conozcan sus aportes a la sociedad, a la familia y al concepto de ser mujer. En forma abierta el ama de casa, la prostituta y la intelectual nos cuentan sus cuitas. Nos vamos dando cuenta de sus limitaciones, sus ambiciones y sus problemas personales. Un texto que se puede actualizar en función de acontecimientos actuales y eso es precisamente lo que sucede en este montaje dirigido por el profesor José Claro Padilla Beltrán con las actuaciones de Janetzi Serna, Ivonne Gallegos y Anayeli Campos.

La Compañía “Formación Actoral Al Trote” de Aguascalientes nos presenta una obra que ha sido aplaudida en otras ediciones del Encuentro Nacional de Amantes del Teatro. No es para menos. Hay ritmo, dicción, presencia actoral y enorme simpatía de las actrices con un trabajo que cumple con todas las expectativas de un público dispuesto a pasarla bien.

Habría que pedir a esta Compañía tener en cuenta que el autor persigue lo que ahora llama Teatro Útil y eso rebasa el sólo hacer reír al público pide sin embargo llevarlo a un plano de reflexión sobre la condición de la mujer actual. A mi parecer esto es posible hacerlo con este y otros textos del propio Robles.

 

PALITROCHES

Por Mario Ficachi

Domingo 10 de enero, doce del día. Hace tiempo que no veo teatro para niños. No hay género llamado Teatro Infantil, eso no existe, el Teatro en relación al espectador al cual va dirigido puede llamársele Teatro para niños, Teatro para estudiantes, Teatro para adolescentes y adultos etc. Considero que justamente por llamarle Teatro Infantil termina siendo un Teatro no desarrollado, que no ha crecido, que no es profesional, que no está hecho con las mismas herramientas y recursos usados para hacer Teatro, a secas. Después de esta muy personal reflexión paso a comentar lo que la Compañía “El origen del Teatro” dirigida por Laura Mirandé ha traído al XXVIII Encuentro Nacional de Amantes del Teatro: tenemos a cuatro actores cuyos personajes tienen sus mismos nombres, Damaris (Flores), Yareli (Almazán), Ángel (Hernández) y Esteban (Cárdenas). Se presentan diciendo que cada pareja es el grupo Palitroches, entablan entonces una competencia para ver quién se queda con ese nombre (al final de la obra el objetivo de su competencia y su interés por defender el nombre de su grupo se ha olvidado). Para identificar a cada pareja eligen colores: Amarillo y Verde, uno pensaría que tratándose de Teatro para niños facilitarán que sus espectadores tengan claro quién pertenece a cada grupo; pero no es así, el actor de vestuario rojo pertenece al grupo verde y el actor con playera verde es del grupo amarillo. Un elemento tan obvio ¿le ha pasado inadvertido a la maestra Mirandé?

Los juegos que proponen son sencillo y aunque se hace énfasis de que no requieren juguetes poco a poco van desmintiendo su idea pues usan pelotas, cuerda de saltar, aros. Es un acierto hacer ver que los juegos propuestos deben jugarse en grupo, también lo es proponer que el espectador participe contando saltos o señalando fallas, lo que no está bien es ignorar dicha participación. Los juegos “Las estatuas de marfil”, “Acitrón de un fandango”, “Canguro, Canguro”, “Chango… changuito”, “Chile mole y pozole”, “El circo”, “La orquesta” etc. van entreteniendo al público y la obra termina agradeciéndose pues los jóvenes actores también se divierten, cosa fundamental en el Teatro. Por cierto, admito que no pude comprender la abstracción usada de un gusano y un pájaro cómo alegoría del jarabe tapatío.

No dejaré de señalar que unificar la proyección de la voz y mejorar su dicción siempre les será útil. Por otra parte, si la obra está basada en otra de nombre “Mejor jugamos” de Rafael Pimentel se debería incluir en la información del programa de mano.

Bienvenida la primera obra para niños que se ha programado en el Encuentro. Yo llegué a jugar e interesarme por el desarrollo del trabajo presentado. Mejorarlo será cuestión de mínimos cambios.

 

HAZÚ

Por Mario Ficachi

Cada emisión del Encuentro Nacional de Amantes del Teatro, es decir, cada año, nos depara una sorpresa que por supuesto motiva expectativas. Hace un par de años fue la participación del Estado de Campeche, ahora lo es la presencia de Los Cabos Baja California Sur con el Taller Municipal de Teatro de Los Cabos; el TTEA dirigido por Francisco Barragán, autor de la obra que nos ocupa, interpretada por Enriqueta González (Hazú), Olga Nelly Ramirez (Duda) y Óscar Ceseña (Lino). Además interviene a la guitarra Saúl Laguna.

La estructura de “Hazú” responde a lo que conocemos como Tragicomedia, un personaje que irá salvando obstáculos en su travesía por alcanzar un bien perdido; en este caso la risa del personaje que lleva el nombre de la obra. ¿Dónde buscar lo perdido? ¡Ah! Pues en todos lados, el fondo del mar, el desierto, la ciudad etc. Lo que parece no cuadrar es que la risa se le ha perdido a la muñeca Hazú, según el autor de la obra, porque la niña que era su propietaria la tiró en el basurero de los juguetes rotos u olvidados. Este dato nunca es retomado y el espectador termina por creer que así es cómo los niños deben portarse con los juguetes (que por cierto se presentan aquí en calidad de seres humanos olvidando que interpretan a juguetes).

Francisco Barragán ha escrito y dirigido su obra con demasiada premura sin ocuparse de las diferencias de cada personaje, sin darle oportunidad a los integrantes de su Taller a construir sus personajes, encontrarles la voz y su expresión corporal adecuada (al fin son juguetes) y a improvisar las escenas correspondientes en los diferentes espacios donde intentan encontrar la risa perdida. Al sentirse desprotegido el actor resuelve sus dudas en forma individual y la diferencia del trabajo de cada uno no llega a mostrarse como trabajo de equipo. Usar el conocido ¿Lobo estás ahí? Subir a espectadores al escenario y dar por terminada la obra sin el razonamiento didáctico mínimo dirigido a los niños muestran fallas que todo principiante debe ir aprendiendo a resolver.

No omitiré felicitar a Saúl Laguna, ejecutante de guitarra que acompaña la obra. Estamos ante un muy profesional, sensible, creativo y evocador elemento a quien quisiéramos escuchar con más frecuencia. Su inclusión en el Taller de Teatro de Los Cabos es un gran acierto.

Espero que el próximo año Los Cabos participen con otra propuesta en la que veamos sus avances como equipo creativo.

 

A.B.

Por Mario Ficachi

La pareja de actrices Cinthia Campomanes Mejía y Karla Rossana Merino López (de la ciudad de Xalapa Veracruz) presentaron en otro de nuestros encuentros la obra “Roma al final de la via” de Daniel Serrano con dirección de la propia Karla. Su interpretación nos gustó muchísimo; fue un trabajo sensible, hermoso, comprometido. Una obra delicada con multitud de imágenes y posibilidades para el juego siempre presente en el buen Teatro.

En esta ocasión ambas actrices, formando el Grupo “Siete espadas” presenta, representando a la ciudad de Xalapa, la comedia A.B. del autor mexicano Anthar Santos Alvizar (1985) con dirección colectiva. La primera imagen es impactante y sumamente prometedora: dos personajes de frente al público con originales vestuarios llenos de colorido y texturas. En cuanto inicia la obra todas las expectativas se desvanecen. Con voces chillonas monótonas los personajes entran a laberínticos diálogos que se repiten haciéndonos pensar que han caído en errores de memoria. Con movimientos injustificados y textos cada vez menos interesantes somos testigos de una mezcla de planteamientos filosófico-matemáticos, que seguramente son claros para el autor pero no para las actrices que los repiten con nula credibilidad.

El programa de mano del XXVIII Encuentro Nacional de Amantes del Teatro nos dice: 

“A.B. es una puesta en escena sobre el quehacer artístico del autor, sobre los lazos de amor, dependencia y amistad que se crean entre los humanos a partir de la convivencia, sobre la angustia de la existencia que en más de una ocasión atormentan al hombre. Los personajes A.B. juegan reflexionando, esperando, cuestionando.”  

La lectura del texto, por parte de las actrices, no corresponde a las palabras del autor, o de la persona que haya redactado la sinópsis. Hubiera sido interesante que UN director hiciera su trabajo para conducir a las actrices a realizar el trabajo en forma coherente para proyectar ese mundo de angustia que pide Anthar Santos. 

La corriente de “Dirección colectiva” data de los años setenta del siglo pasado, una época de rompimiento necesario con el autoritarismo prevaleciente en todo el mundo y en todas las actividades de los ciudadanos libres; tuvo su momento, sus aciertos y también sus fallas. La ciudad de Bogotá, Colombia fue cuna de montajes que hicieron historia. Había sin embargo un Coordinador de las propuestas de los actores. Los grupos  (La Candelaria uno de ellos) se fueron enfrentando a serios problemas de cohesión conceptual dadas las diferencias culturales de sus integrantes y el culto al ego presente en toda creación  artística. Hoy en día se acepta la influencia de aquellos aportes y se ha vuelto a reconocer la necesidad de elegir una cabeza que responda por el producto cultural es decir, que responda por el montaje y concepción de una obra. Les recomiendo a Cinthia y a Karla retomen el camino que hizo que “Roma al final de la vía” fuera tan exitosa. 

 

TIERRA ERES

Por Mario Ficachi

Ariadna Aragón es responsable del texto, una tragedia, que nos presenta la Compañía Teatro Tlancualejo de la ciudad de Irapuato, Guanajuato bajo la dirección de Francisco Escárcega Rodríguez. Sin lugar a dudas que el tema de los migrantes en todo el mundo está convirtiéndose en una tragedia sin embargo el texto no corresponde a tal sino a Drama poético dirigido a manera de Poesía Coral lo que termina siendo su gran defecto. 

La historia que nos cuentan ocho personajes se amalgama en dos: las de una señora común que ante una mesa corta vegetales e informa de vez en cuando estadísticas sobre los migrantes en nuestro país; y los seis restantes participantes que, gimiendo durante toda la obra, dirán líneas abstractas sobre el sufrimiento al que todo migrante se expone.

La migración es un tema complejo cuyas vertientes sociales y políticas van dándose a conocer abiertamente en interesantes ensayos basados en estudios que pueden consultarse vía internet por ejemplo:

 fhsakfm.blogspot.com/2011/04/ensayo-de-migracion.html .

No es este el espacio para defender la postura de un autor u otro, todos coinciden en que entre las causas de la migración está presente la falta de trabajo, la falta de oportunidades en general para resolver los problemas económicos más inmediatos, la aspiración de una vida mejor y también la huida del país de origen dado el peligro de una guerra o la violencia ejercida por gobiernos contra los que piensan diferente. Todo lo mencionado falta en la obra, sin embargo está la presencia recurrente de la religión como recurso para cambiar de una escena a otra y para, según la autora, apoyar en su trayecto al viajante. La virgen acéfala es leiv motiv durante todo el trayecto del migrante… a ella hay que rezarle y a todo santo que a cada quién se le ocurra. 

De pronto irrumpe una excelente escena, es la de las cobijas… bien coreografiada y llena de simbolismo. Hacen falta otras escenas como esta que demuestra sensibilidad, comprensión de lo que se hace, entrega, creatividad. 

En cierto momento la señora arriba descrita deja su lugar, se dirige a “La Bestia” (el tren que recorriendo el país resulta el único medio de transporte en el sur de la República para que los migrantes salvadoreños, guatemaltecos, hondureños se dirijan al norte) y les avienta bolsas con algo de lo comida, hecho que por cierto, en este montaje, pasa desapercibido en vez de provocar un momento de paz e incluso de alegría. Un gesto solidario que la población mexicana, principalmente mujeres, lleva a cabo desde hace tiempo. Pero no hay tregua según Francisco Escárcega y Ariadna Aragón. Todo debe llevar a los actores al rezo y al lamento. Una visión que muchos no compartimos y que teatralmente se agota muy pronto.

Bienvenido Irapuato a este XXVIII Encuentro Nacional de Amantes del Teatro, esperamos que vuelvan a participar. Nuestra opinión no es la única; otros compañeros de la Comisión de Análisis y Testimonio opinarán, léanlos y si lo creen necesario corrijan lo que consideren que en efecto son fallas.

 

RELOJ BIOLÓGICO

Por Mario Ficachi

Gabriela Aguirre representa a Sara una joven que vive en amasiato con Luis interpretado por Vicente Ferrer. Dos sillas son todo lo que necesitan, ¡ah! y un par de teléfonos celulares que en cierto momento se convertirán en elementos esenciales para la culminación de la historia que nos irán contando, cada uno por su lado y en pareja.

El resultado es una historia sencilla, con momentos íntimos muy bien resueltos, con una estructura elemental y actuaciones sinceras que cumplen lo que Carmen Sauri, su directora, les pide hacer. Total una comedia que reciben los espectadores atentos, que festejan con carcajadas y que llega a feliz término en este cuarto día de funciones del XXVIIII Encuentro Nacional de Amantes del Teatro. 

Se trata del Grupo “Los Biológico Infecciosos” representando la obra “Reloj Biológico” de María Cervantes Balmori, Dicen que todos los dramaturgos vamos dejando parte de nuestra biografía y vivencias en lo que escribimos. Es posible. La historia que nos cuenta María Cervantes puede corresponder a su propia vida o la de alguna amiga o a la revoltura de ambas más una dote de ficción. Dicho así bienvenidas las historias sencillas sin pretensiones que dejan un agradable sabor de boca y que terminan reforzando la idea de que bastan pocos elementos en escena, dos actores dispuestos a contarnos una historia, una directora sensible sin pretensiones para hacerla realidad y por supuesto un Teatro lleno de espectadores agradecidos que agradecen con risas y aplausos el resultado final.

Mis felicitaciones a los actores. Sigan construyendo ficciones. Sigan estudiando sus posibilidades corporales. Sigan arriesgando el físico pisando escenarios como este Teatro Julio Jiménez Rueda de la ciudad de México que les ha abierto sus puertas gratificando su dedicación y esfuerzo. Nos vemos pronto.

 

LAS DOS FRIDAS

Por Mario Ficachi

“Poco después de su divorcio de Diego Rivera, Frida completó este autorretrato de dos diferentes personalidades. En su diario, Frida escribe que el origen de este cuadro está en sus recuerdos de un amigo imaginario de la niñez. Más tarde, ella admitió que refleja las emociones que rodearon a su separación y crisis marital”.

Alberto Aguayo escribe un texto que titula precisamente con el nombre del cuadro que en 1939 pintó Frida Kahlo. (Sólo como referencia debemos anotar que Abraham Oceransky, María del Carmen Farías y Bárbara Córcega en 1987 llevaron a escena un texto colectivo con el mismo título). En ésta ocasión el mismo autor dirige a Maxi Pelayo como la Frida mexicana e Ivonna (sic) Haro como la Frida europea; la diferencia de vestuario es lo que hace que se les califique de esta manera.

En escena vemos sentadas a las dos Fridas tal y cómo conocemos el retrato excepto por dos sillas con respaldo alto de madera que no corresponden a la banca de madera con asiento de palma que la pintora plasma en su obra. Atrás de ellas en esquinas opuestas vemos una mesa con una botella transparente con “tequila” y un caballete con un pequeño cuadro tapado con tela negra. A estos dos puntos se conducirán reiteradamente las actrices una para seguir pintando y las dos para asegurar la botella llevarla y traerla de la mesa e ir consumiéndola. 

Hay muchas versiones de obras con el personaje de Frida Kahlo, recientemente vi un musical llamado “Alameda”, está la obra de Federico Inclán, la de Tomás Urtusástegui, la de Humberto Robles, la de Ofelia Medina, la de Rodrigo Vera, la de J.L. Donaldson, la de Marcos Lifshitz y también la mía entre otras. Cada una se inspira en su diario, en sus cartas, en los escritos de Raquel Tibol, en la biografía de Hayden Herrera etc. y por supuesto en la ficción. El personaje es sumamente teatral al igual que su entorno, por lo tanto merece tantos tratamientos cómo autores deseen darle. Alberto Aguayo presenta su versión y la lleva a escena, no todos podemos hacer lo que él ha hecho con la Compañía Producciones Escénicas y ¿Por qué no? En mi opinión su trabajo como director de escena es deficiente. Su trazo es repetitivo. Su escenografía es previsible y los elementos que la conforman sumamente limitados. La borrachera de sus personajes no es creíble y a las voces de sus actrices les hacen falta matices. Todo esto es su responsabilidad.

Estamos frente a un resultado desigual en muchos sentidos, uno de ellos es el momento en que las actrices muestran al público el cuadro que Frida ha terminado de pintar. Es posible que nunca hayan visto Alberto, Maxi e Ivonna (sic) el cuadro “Las dos Fridas” pero basta

con leer lo que mide para no mostrar al público una reproducción tan pequeña como la que sacaron al final de la obra.

Aplaudo la decisión de participar con una versión diferente del mexicanísimo personaje, la producción del vestuario de la obra es excelente lo mismo que haber llegado a levantar el telón. La actitud en este caso es loable. Habrá que ver sucesivas participaciones del grupo para ser testigos de sus avances.

 

LOS DIENTES DE SATANÁS

Por Mario Ficachi

Estamos ante una pastorela de la pluma del reconocido autor Alejandro Licona (Ciudad de México, 1953). La Compañía “Los Poetas Muertos” la lleva a escena bajo la dirección de Julio Alberto López Rodríguez. El formato es sumamente conocido: Satanás intenta distraer a los pastores para que no lleguen a adorar al niño Dios; el arcángel Gabriel interviene, vence al diablo y todos contentos. Hay tantas versiones y tantos títulos de pastorelas que no tiene caso relacionarlos aquí, baste con decir que ésta versión se diferencia por contar con dos diablillos que le harán la vida “de cuadritos” al Diablo y proponer tentaciones, con las que el demonio intenta ganar la partida, sumamente novedosas y originales.

El propio director representa a Satanás y lo hace con gracia, soltura, proyección de la voz y presencia suficiente como para ganar la simpatía del público. Creo que eso siempre pasa con algunos malos tanto de las telenovelas como de las películas y series televisivas. Los diablitos son Aremi Trejo y Adriana Pérez, con facha de ser verdaderos cómicos pero con fallas terribles en su dicción y proyección de la voz; a Gabriel, interpretado por Dania Ávila le sucede lo mismo que a Aremi y Adriana, no se le entiende lo que dice y su poca energía en el escenario hace que la obra pierda ritmo. Después están Joselín Alvizu y América Islas como pastoras y Mario Luna y Hugo Guzmán como pastores. Todos interpretan con gracias sus personajes logrando la empatía que requieren. ¡Bravo por su trabajo!

El grupo “Los Poetas Muertos” se divierte en el escenario contándonos las peripecias de los pastores para cumplir con su encomienda y las maldades del diablo y su comitiva para impedirlo. El público sigue la historia premiado a los actores con carcajadas abiertas y aplausos. 

Teniendo como ejemplo la buena actuación de Julio Alberto López los demás pueden tomarlo como ejemplo e imitarlo…no necesitan sino verlo actuar y hacer lo propio… ¿es esto válido? Por supuesto. Su trabajo puede pulirse y así borrar las fallas anotadas

Les esperamos con un nuevo montaje igual de fresco y divertido para la próxima edición del Encuentro Nacional de Amantes del Teatro. Gracias por haber participado en la presente de 2016.

 

COMO SI FUERA ESTA NOCHE

Por Mario Ficachi

Dos excelentes actrices, Mappy López en el papel de Clara y Jennifer Carstensen como Mercedes. Un juego limpio donde dos tiempos se fusionan: presente y pasado de madre e hija. Cosas que quedan por decirse y otras que fueron dichas con amor en su momento. Relaciones truncadas de la joven y relación complicada —por decir lo menos—de la madre. Una realidad que las mujeres de hoy en día siguen enfrentando: la violencia intrafamiliar. El padre, que sólo se nombra tiene sus pasajes tiernos, pero llega el viernes y se pierde en el alcohol. Todo se le perdona cuando el martes, sin la presencia de los hijos, ambos se reconocen en el terreno propicio para ello: la cama. Pero eso es sólo una vez a la semana, antes y después la pesadilla. Unas tijeras están ahí para cortar el hilo de vida. ¿Razones? Ninguna válida. El término “accidente” ha de servirle al leguleyo  como argumento de defensa en el juicio de quien tendría que pagar con su propia vida y no sólo unos años en la cárcel el haber asesinado a su esposa… pero claro, ella no debió nunca de ir por él a la cantina, antes debió de cumplir la retahíla de “esta es la última vez” en vez de esperar el siguiente martes para la reconciliación.

Una obra corta de la que quisiéramos más datos, más efectos, más reacciones… y un ingrediente ausente que hace falta siempre que de la violencia de género hablamos: coraje y decisión.

Gracia Morales es la dramaturga, Luis Mario Flores el director, la Compañía del IRCA el grupo, Ciudad Reynosa la patria chica desde donde vienen. Dicen que el género es realismo mágico, no estoy de acuerdo, dejémoslo en pieza.

Está entre los espectadores el Director de Cultura de Reynosa acompañado de otros funcionarios. Un suceso digno de mención. El buen desempeño de las actrices y su director de escena confirma los apoyos oficiales que se otorgan a los artistas; no dudo que asistan también a exposiciones, funciones de danza, conciertos… funcionarios así podrían asesorar a otros para compartir el vicio del aplauso, la necedad de conferirle a lo cultural un sitio en sus agendas. Ojalá.

 

VAMPIROS MI MUSICAL

Por Mario Ficachi

Noé Nolasco es autor y director de éste SU musical, subrayo el adjetivo posesivo tal como él lo hace notar en el título de su obra. Y es tan suyo que se queda en su propia intención. ¿Ante qué estamos? Un juego desternillado de acciones sin pie ni cabeza que llevan a contar una parte de la historia de Drácula, y otra del fracaso de un no-becario de CONACULTA; el caos en el escenario va tomando forma y de pronto surgen detalles de genialidad propios del llamado Arte Kitsch

Lo kitsch empezó a ser definido como un objeto estético empobrecido con mala factura, y llegó a significar más la identificación del consumidor con un nuevo estatus social que una respuesta estética genuina. Lo kitsch era considerado estéticamente empobrecido y moralmente dudoso

“Vampiros Mi musical” escenificado por la Compañía Toputshi Teatro, con Kizai Maldonado, Víctor H. Vargas, Miguel Arteaga, Carlos Torres, Sandra Galaviz, Angela Ruiz, Xosé Luis “Sr. Patillas” y el propio autor/director Noe Nolasco tiene la calidad de una película de Juan Orol, Gángsters contra charros de 1947, o de Gaspar Henaine “Capulina”, Santo contra Capulina de 1969, del programa de Laura Bozzo, Televisa 2014, del de Las Lavanderas (gulp!), de las películas de Federico Curiel consideradas ahora joyas del Camp “El santo contra la invasión de los marcianos” de 1967 o “El Santo contra las momias de Guanajauato” de 1972, de los trabajos que tantos veneramos del Grupo británico Monty Python, El sentido de la vida de 1983 o del comediante norteamericano Mel Brooks Drácula, un muerto muy contento y feliz de 1995.

El mejor momento de éste que más bien parece un ejercicio de improvisación sobre Drácula es cuando irrumpe la “realidad” en el escenario; el personaje de la Administradora del Teatro interrumpe el desarrollo de la obra. Ninguna técnica o teoría sobre la labor escénica puede explicar o justificar ese momento pues luego el mismo personaje involucrado totalmente en el juego de Nolasco se convierte en zombie mientras busca su inhalador pues padece de asma; Madame Sweet insulta a Mina Chu, el jorobado Igor asistente de Drácula interpreta a Juan Gabriel (gran aplauso), Drácula se tropieza con su capa, el amante Hark le pide al vampiro se la chupe para tenerla parada, un Indiana Jones de pacotilla llamado Bam Hell se apodera de la estaca para clavársela a quien se deje y Drácula dice sabiamente “el sol va a salir y las visitas tienen sueño”. Así que adiós.

El XXVIII Encuentro Nacional de Amantes del Teatro da para todo. Eso es bueno.

 

NOSOTROS SOMOS DIOS

Por Mario Ficachi

Wilberto Cantón (Mérida, Yucatán 1925, ciudad de México 1974) escribió este melodrama en el año de 1962. La montó el grupo de Teatro de la Universidad Autónoma de Guadalajara en 2010 bajo la dirección de Javier Serrano y ahora la Compañía Hernán Producciones la presenta en el XXVIII Encuentro Nacional de Amantes del Teatro con la dirección de Armando Hernán y un amplio reparto que cumple con solvencia su trabajo. 

Nosotros somos Dios trata de un episodio situado en la ciudad de México en la época del Huertismo y en el momento Carrancista de la Revolución mexicana; años 1913-1914. Éste solo hecho es ya un problema para la producción ya que tanto el vestuario como la ambientación, los peinados, las armas y por supuesto la escenografía debieran de estar acordes con la época; eso si el director decide tomar esa vía y, lamentablemente es ese camino el que Hernán toma. Entonces surgen multitud de contradicciones, la más notoria y terrible son las mamparas que integran las paredes del lugar, las puertas, las cortinas. ¿A estas alturas de propuestas de avanzada en el Teatro mexicano usar ésta escenografía que nos remonta a los sets televisivos de los años cincuenta del siglo pasado? ¿Es que Armando Hernán no asiste regularmente al Teatro para aprender cómo se resuelven estos problemas? No estamos sugiriendo que se haga una adaptación del melodrama (El programa de mano indica erróneamente que se trata de una pieza) pero un buen manejo de luces y sombras solucionaría el asunto referido.

La obra, muy bien escrita, nos va llevando de la mano para comprender a fondo el enfrentamiento generacional, la violencia del período Huertista y de su gabinete, la pasión de los revolucionarios y el ambiente familiar de hipocresía que viven los protagonistas. Lo que ahora llamamos “Conflicto de intereses” está perfectamente expuesto en “Nosotros somos Dios”.

Suponemos que el productor de la obra buscará tener una temporada en algún Teatro de la ciudad o intentará vender funciones a escuelas. De ser así le recomendamos:

Uno: Modular el volumen de la pista sonora para acompañar las escenas no para opacarlas y hacer que las voces de los actores sean inaudibles.

Dos: Exigir a su elenco aprenderse los textos, los apuntadores y los micrófonos impiden que el drama tenga la calidez y energía necesarias.

Tres: Elegir el mínimo de mobiliario. Eliminar puertas, paredes, vitrinas, fotografías y quedarse con lo realmente necesario. Ya el vestuario aporta el dato de la época además del propio texto.

 

ESQUIRLAS

Por Mario Ficachi

Hay un par de frases que se repiten en forma automática para minimizar/endulzar un resultado previsible de tragedia o solidarizarse en forma fallida con una causa que prevemos no tiene salida. La primera es “Todo saldrá bien” o  “Todo va a salir bien, no te preocupes” y la segunda, la que más hiere, es “Échale ganas”.

Alguna de estas frases llegan a decirse a los mexicanos que viven en el norte de la República, particularmente en el estado de Tamaulipas, con al fin de atenuar los terribles efectos de los secuestros, las cuotas o las amenazas cumplidas. Se parecen a la sugerencia de nuestros gobernantes ante el caso de los 43 estudiantes guerrerenses desaparecidos “Ya supérenlo”.

“Esquirlas” de Demetrio Ávila nos expone la historia de una familia atemorizada primero por los narcos y atacada después por no cubrir su cuota por trabajar, incendiándole su comercio, amagándoles vía telefónica y desapareciendo, en este caso, al padre y hermano, como el relato nos lo informa. El autor conoce el tema por haberlo investigado en su natal ciudad Victoria y además de escribirlo lo actúa bajo la dirección de Leticia López. Estamos pues frente a un monólogo de la Compañía Prometeo Desencadenado que Ávila interpreta con matices y contrastes efectivos para mantener la atención del público. Debo además felicitarles por haber utilizado satisfactoriamente los recursos técnicos del Teatro Jiménez Rueda, en éste caso la iluminación.

Habría que señalarles a Leticia López y al propio autor/actor que, cuando el texto rompe con la “cuarta pared” y se relaciona con los espectadores haciéndoles partícipe de la obra se debe estar preparado para integrar la respuesta a las preguntas hechas, esperar que las haya e improvisar sobre lo contestado, de otra manera resulta absolutamente gratuito dirigirse al público. Otra cosa: uno va aprendiendo a través del tiempo que no hay punto más débil en el escenario que su centro, esto lo debe sentir el propio actor en su trabajo… no es que no lo use sino que es importante para todos cambiar el foco de atención.  

En mi opinión la obra debe terminar cuando el personaje se acerca a proscenio y recuerda las palabras de la madre sosteniendo un tornillo, una rondana y una tuerca… “Nadie va a quitarnos lo que somos” es decir, la vida sigue y debemos defender lo nuestro; la escena de la bomba y la analogía del “Todos estamos muertos y buscamos a alguien también muerto” me parece que denota un camino sin salida alguna.

Uno de los mejores trabajos que hasta ahora se ha presentado en el XXVIII Encuentro Nacional de Amantes del Teatro.

 

AMNISTÍA

Por Mario Ficachi

Hace un par de meses asistí a un ensayo general de la obra “Las Criadas” (1947) del autor francés Jean Genet (1910-1986) dirigida por Salvador Garcini con un elenco encabezado por el conocido actor Alejandro Camacho. Sé que está ahora cumpliendo temporada en el Foro Cultural Chapultepec. El texto está fresco en mi memoria así que desde la primera escena de “Amnistía” descubrí que se trata de una adaptación de esa obra en el que han omitido el personaje de “La señora” y acortado las escenas donde se redunda la relación entre Clara y Solange, precisamente las criadas.

El director Luis Mario Flores y las actrices Carolina Velasco y Teresa Hernández informan ser parte de la Compañía “Enlace Teatro” de Ciudad Reynosa Tamaulipas. El texto es creación colectiva a partir de textos clásicos. Ojalá dieran más datos de los textos incluidos pero no es así.

El montaje es interesante, dos sillas y algunos objetos duplicados (cubetas, guantes y escobas) en un rectángulo de aproximadamente seis metros de frente por cuatro de profundidad definido con cinta de aislar roja en el gran escenario del Teatro. En él veremos, con muy buena iluminación, a los dos personajes, con bodies negros y una tela rojo cereza, jugar, correr, amenazarse, abrazarse, discutir etc. Además se ha pedido a una parte del público asistente subir al escenario para ver la obra desde un punto diferente al que propone “a la italiana” el propio recinto. Todo esto resulta atractivo y novedoso para algunos. Admitamos pues que la propuesta tiene una dosis de riesgo que no es el común denominador en el XXVIII Encuentro Nacional de Amantes del Teatro.

El resultado promete ser excelente. Es al menos alentador. Pero al director, que ha cuidado tanto la parte estética se le ha olvidado que el texto debe ser bien dicho o todo lo demás será solo el marco de un buen intento fallido. No se trata de apalear las palabras martillándolas como si se tratara del concurso “A ver quien termina primero sus párrafos”. No se crean imágenes, ni siquiera pueden relacionarse de verdad los personajes cuando no se escuchan. Los tiempos de las escenas son violentados y el público deja de entender lo que pasa o se aburre, y eso es una lástima por toda la creatividad invertida.

Sugiero al señor Flores trabaje minuciosamente la dicción de sus actrices y en acuerdo con ellas elijan las imágenes de que están cargados. No importa el tiempo que les tome. Al final verán que todos han aprendido algo valioso. 

Bienvenido un grupo más de Tamaulipas. Éste con una propuesta original digna de aplauso.

 

ABUELITA DE BATMAN

Por Mario Ficachi

En escena nuevamente un texto del dramaturgo Alejandro Licona (Ciudad de México 1953). Éste no tan fresco cómo “Los dientes de Satanás” pero mantiene los elementos que caracterizan al autor. 

“Son una refrescante crítica a las situaciones que vivimos en un México contemporáneo. A través de cada cuadro, nos topamos con un destello de nuestra propia identidad; quedándonos finalmente con una inmensa necesidad de decir: Me cae que yo ya viví algo así Abuelita de Batman que sí. Espectáculo que nos invita a la risa a través de situaciones con las que nos es fácil identificarnos, de personajes típicos y una fuerte dosis de crítica social redondeados por la frase “Abuelita de Batman”

La Compañía Tetrearte bajo la dirección de Benjamín López nos presenta esta comedia compuesta de cinco cuadros. El de una doctora y su paciente, el de un reo (que ha escapado de la cárcel) y su esposa, el de un político borracho y su abnegada cónyuge, el de un galán y una de sus aventuras, y el de una pareja que intenta tener relaciones abiertas.  Dudo que se trate de situaciones con las que podamos identificarnos pero se trata eso sí de sketches que hemos visto repetidos en la televisión y eso nos acerca a ellos sin duda.

Me ha llamado la atención que el director ha basado la estética de su montaje utilizando cascos-peluca confeccionados con hule espuma lo mismo para mujeres que para hombres (excepto para el personaje del reo), además ha dispuesto usar objetos distorsionados con diamantina como corbatas, moños, vasos, botellas, bolsos etc. Todo da un carácter caricaturesco al trabajo que distancia al espectador en lugar de hacerlo partícipe de las historias.

Forman parte del grupo: Ivanka López, Esmeralda López, Alberto Santana, Rosaisela Guerrero, Héctor Madera, Laura Gallo, Griselda Flores y Adrián Gutiérrez.  

Con un trazo frontal sin complicaciones van pasando cuadro por cuadro. El más logrado en mi opinión es el del prófugo cornudo y su mujer, tanto los tiempos del diálogo cómo el vestuario, la situación misma y su cierre son llevados en el tono que el autor ha tenido en mente. Tocante a los demás cuadros hay exageraciones propias de la más enloquecida farsa no de una comedia (como la voz chillona de un personaje por ejemplo).

Trabajo desigual con un elenco responsable, comprometido y sobre todo disciplinado.

 

NIÑAS DE LA GUERRA

Por Mario Ficachi

Esta obra fue estrenada en 2003 con las actuaciones de Aracelia Guerrero y Mercedes Gómez sigue siendo un hermoso referente para contar a niños y adultos una parte de los efectos de las guerras. Digo hermoso porque está escrita con amor “al otro” a “los otros” y nos da la oportunidad de volver a poner en el mantel de las conversaciones ese fenómeno, enriquecedor y temido, que tiene que ver con que nuestro país y tantos otros tengan una política hacia los refugiados y migrantes.

Escrita por la dramaturga capitalina Bertha Hiriart (ciudad de México 1950), Niñas de la guerra trata sobre la llegada de Vera (Meztli Robles) a “Nopasanada”. La niña, que venía huyendo de la guerra en su pueblo, enfrenta el rechazo de los habitantes de su nueva residencia al ser tan distinta a ellos. Vera habla raro, se viste extraño y hace música. Ayudada por su abuela, la pequeña Luisa intentará que Vera pueda vivir en “Nopasanada”, aceptada y en paz.  

Encontré ésta nota de 2013 de El Informador de Guadalajara. Quise compartirla con los que leen estos testimonios del XXVIII Encuentro Nacional de Amantes del Teatro para que constaten que la obra que hemos visto programada ha tenido y tiene montajes en otros lugares de la República. De hecho nos contó su autora el mismo de la de la función, que su obra formó parte de un programa de giras de Teatro para niños organizado por el CONACULTA. Además la misma dependencia ha publicado la obra, a través de EDUCAL en la serie “Lo mejor del Teatro para niños”.

En esta ocasión la presenta la Compañía de Teatro “Tomás Urtusástegui” de Ciudad Reynosa Tamaulipas con las actuaciones de Alejandra Vega y Margarita Reséndez Moreno. Ambas excelentes en sus papeles de niñas… lo que no resulta fácil para actores adultos. Alejandra interpreta seis papeles, los vecinos del pueblo “No-pasa-nada” y Margarita el personaje que llega a ese pueblo para refugiarse de la guerra. Ambas niñas se van conociendo, como suelen hacerlo cualquier niño, a través de juegos y terminan en una amistad que contagia a los demás aceptando su integración y la de otros desplazados. La reflexión final es que ahora el pueblo es más interesante, han aprendido costumbres y lenguajes diferentes, han nacido otros niños con color de piel variado y en general se ha dado un giro radical a su vida embelleciéndola.

Martha Valdivia comprendió en su totalidad el mensaje de Hiriart y lo supo exponer sin para ello imponer más estilo que la sencillez y la sensibilidad. Utiliza el recurso del “Teatro de sombras” limpiamente, sin tener que recurrir al cansado “A ver amiguitos, ¿Por dónde se fue? ¿Por allá? ¿Por atrás? ¡Ayúdenme a buscarla!” 

Sin lugar a dudas hemos visto hoy uno de los mejores trabajos del presente Encuentro. Felicidades.

 

EL REINO DE LAS GALLETAS

Por Mario Ficachi

Con una idea excelente, relacionar a los personajes con diferentes galletas por todos conocidas, y la producción de botargas muy atractiva, se presenta esta obra escrita, actuada y dirigida por Álvaro Ross. Se trata de la Compañía “Escena 11 Producciones” de la ciudad de México.

Una farsa que tiene por objeto hablar de la igualdad, la mentira, la soberbia, la homosexualidad, la infidelidad, la presunción, la mediocridad, el poder, la envidia, la maldad, la discriminación, la verdad etc…  repitiendo cartabones de personajes ya conocidos; rey, príncipes, princesas, malos y buenos, tontos y menos tontos.

El director decidió hacer uso frontal de un Teatro de Sombras absolutamente inútil y estorboso por el que pasan los actores en un desfile continuo en ocasiones sin razón alguna. Debieron ensayar con detenimiento el efecto causado por la distancia de los cuerpos respecto de la luz porque el tamaño de las sombras no tenía nada que ver con el argumento.

Nuevamente se trata del tema de “la búsqueda”: dos tipos de búsqueda: una princesa casadera y el espejo de azúcar para deshacer el hechizo de la galleta danesa que no fue invitada al baile donde ha de decidir el príncipe bombón y el príncipe chocolate con quién casarse. Dicho espejo igual pudo ser de aluminio o de oro porque el material no cambia la historia.

Participan, Alejandra Dorantes (Galleta María), Rosalba Aguilar (Galleta orejona), Nelly Lacayo (Galleta Danesa), Lucero Picos (Galleta Bocado de dama) Víctor Vázquez (Galleta Emperador) Saúl Zapata (Galleta de chocolate), Beto Brassan (Galleta Arcoíris) y el propio director-autor Álvaro Ros (Galleta bombón). Es de reconocerse que hay un trabajo de mucha gente detrás de este montaje aunque el resultado no termina siendo satisfactorio. Las actuaciones son muy desiguales, el trazo escénico está ausente y la novedad del tratamiento del texto termina siendo un espejismo.

El montaje puede ser atractivo como Teatro comercial para promocionar alguna marca de galleta. Por ahora ya puede incluir en su historial haber participado en el XXVIII Encuentro Nacional de amantes del Teatro.    

 

SUMERGIDO EN MIS ZAPATOS

Por Mario Ficachi

Bienvenido el actor peruano Jaime Lema a nuestro país. Se trata, por la información impresa proporcionada, de un hombre preparado en diferentes disciplinas con amplio historial de montajes y giras internacionales. Impartirá a partir del próximo 1 de febrero un taller integral de Teatro-Danza que ha nombrado “El Actor Bailarín” incluyo aquí la página donde pueden obtener más informes: www.jaimelemadanza.com

La obra que presenta la Compañía “Máscara Neutra” es uno de los unipersonales que Jaime Lema ha montado en 25 años de su carrera. En él muestra sus habilidades como bailarín y como actor. En mi opinión mucho más cómo bailarín que como actor y eso le resta méritos respecto a lo que se espera en éste XXVIII Encuentro Nacional de Amantes del Teatro.

Muchos son los personajes que Jaime decide ir mostrando: Don Zapalló, Sebastián de la Luce, Flamenco el vendedor, Valentín el pescador, El guardián, Carlitos Green, Dick Power y El implacable Arturo Ui. Como si se tratase de un álbum de fotografías personal el actor va mudando de ropa, particularmente de zapatos, para mostrarnos aquellas fotos. Pero tal y como sucede con las fotos del viaje de otros, las fotografías y los comentarios se van repitiendo y terminan por cansarnos. El cuerpo habla, eso lo sabe Jaime Lema que lo usa como un virtuoso. Pero si habla solo y no es controlado estamos ante tics, algo nefasto para el actor. Puede corregirse por supuesto y es algo que estoy seguro debo hacerle notar al maestro: Subirse los pantalones antes de la escena y arreglarse la camiseta. Eso es un tic. Tan notorio y previsible que puede uno adivinar cuando lo hará.

Dos de sus personajes me atraparon; Zapalló, con el que inicia la obra y El guardián. El primero por su expresión corporal y la proyección de su voz. Lástima que dura unos minutos solamente. El segundo porque se trata de Danza Butoh presente en la formación de tantos actores desde la década de los años ochenta, bien propuesto y con un excelente manejo de sus tiempos.

Una recomendación para en nuestro país las gracias a técnicos, productores, amistades, familiares e incluso al público se dan al final de la función. No deben formar parte del cuerpo de la obra que se presenta; comprenderá Jaime Lema que los espectadores esperamos la continuidad de las escenas y pedir tantas veces tantos aplausos resulta un gesto desagradable.

Seguiremos atentos el desenvolvimiento de un actor, director y maestro que promete sorprendernos en el futuro. 

 

¡SOLO BAILA! CABARET

Por Mario Ficachi

Como parte de su discurso de inauguración y bienvenida, Isabel Quintanar, presidente del Centro Mexicano de Teatro A.C. hizo notar al público asistente el pasado viernes 8 de enero que en el XXVIII Encuentro Nacional de Teatro es posible encontrar alguna “pepita de oro”.

En mi opinión la Compañía “Sólo Baila” nos ha presentado lo que puede ser una verdadera “pepita de oro”, su autor Francisco Olivié propone un texto sencillo que la directora Sandra Gamboa enriquece con bailables; el resultado termina siendo un extraordinario espectáculo comparable a las grandes películas de la época de oro del cine mexicano. 

El dueño de un cabaret Joe Casstelán, va a recibir la visita de su socio al que debe mostrarle un buen show. Sus artistas lo han abandonado debido a los malos sueldos que percibían así que él se dispone a contratar gente nueva. Se presenta entonces un cuerpo de bailarines, frescos, jóvenes y con múltiples cambios de vestuario… hay que subrayar además, que el conjunto de baile cuenta con dos integrantes en silla de ruedas, Diana Elizabeth Fuentes y Francisco Pardo Villa, todos bailan diferente tipo de ritmos y van mostrando sus números durante la obra. Hay además varios argumentos paralelos, el asistente de producción del cabaret, Nacho Sevilla, sueña con ser bailarín pero no se “suelta el pelo”. Su novia Sandra Arcos, lo maltrata y le pone cuernos, él tiene muy baja autoestima hasta que una bailarina, Sandra Gamboa, le ayuda a despertar, él deja la timidez a un lado y se convierte en otra persona en todos sentidos. Lo que expone la obra en su título se ve reflejado incluso en la historia del propio dueño del cabaret, su esposa: Sara Flores e hijo Carlos Alberto Mora que terminan formando parte de la última coreografía que resulta espectacular. El productor contrata a los nuevos bailarines con mejoría notable en sus sueldos y todos contentos.

Cada participante tiene su momento estelar incluyendo al personaje de un viejo encargado de la limpieza del lugar, Isaac Barrón o Mario de la Cruz, a quien se le reta a bailar resultando todo un profesional.

Dejo aquí los nombres del cuerpo de bailarines; además de los cuatro ya mencionados integran el grupo Citlalli Barrón, Daniela de los Rios, Pamela Zúñiga, Erick Vázquez, y Fernando Ulloa. Un excelente trabajo de su coreógrafo o coreógrafa (no se proporciona el nombre) y por supuesto de la responsable de todo el montaje: Sandra Gamboa.

Esta “pepita de oro” será incluida entre los mejor que hemos visto no solo en esta edición del Encuentro sino en varias de sus ediciones. Mi más entusiasta aplauso para todos y cada uno de los miembros de la Compañía ¡Sólo Baila! Un concepto de espectáculo teatral redondo en el que además dan cátedra del respeto e inclusión de bailarines en sillas de ruedas. ¡Bravo! Ha sido un honor verles.

 

CLOWNCIERTO EN FA SOSPECHOSO

Por Mario Ficachi.

Un trio de músicos, clarinete, teclado y batería deciden trabajar con la técnica de payaso blanco y presentar su creación incluyendo varias interpretaciones para agrado del público. Se trata de Swami Gallardo, Dzaui Gallardo y Ellis Regina Azúa, quien además canta, y lo hace muy bien. (¿Ellis Regina? No creo que sea coincidencia, debe tratarse de un homenaje a la cantante brasileña).

Al Encuentro Nacional de Amantes del Teatro se inscriben lo mismo monólogos que musicales, obras de Teatro para niños, mimos, melodramas, adaptaciones de películas o puestas en escena de las que entramos siempre en controversia por fijar género. En la presente XVIII edición del Encuentro nos agrada encontrar grupos cómo éste que se ha nombrado Compañía Chantiam, dirigido por uno de sus integrantes: Swami Gallardo. Etiquetar su trabajo no es cosa fácil. 

La rutina que nos presenta resulta algo repetitiva pero se salva por la inclusión de un muñeco de peluche que porta el personaje Calderón al que alimenta y calienta muy cerca de su corazón. El muñeco les sirve de pretexto para jugar varias escenas. A veces estorba a los músicos y otras los inspira a manera de director de orquesta por eso resulta extraño que uno de los integrantes termine aventándolo a la parte trasera del escenario y los demás, incluyendo a su amigo entrañable que lo albergaba en su pecho, sigan cómo si nada hubiese sucedido, de hecho el trio termina de ejecutar cuatro piezas y se despide de los espectadores dejando al muñeco tirado. ¡Gran error!

En México conocimos a Le Luthiers hace años. Un grupo argentino de músicos virtuosos que se presentaban vestidos de gala y hacían bromas mezcladas con ejecuciones llenas de creatividad y humor. Su estilo puede ser parte de la inspiración del Grupo Chantiam. Sólo que, cómo decían Le Luthiers: “La confusión está clarísima” Hablan en italiano, la cantante lo hace en inglés, usan la técnica de Clown para llegar a tocar algunas piezas pues son músicos y terminan desechando la mejor creación de su rutina.

Intercalar bromas como mimos y payasadas a sus piezas musicales sería una propuesta menos monótona y repetitiva e incorporar al conejo como parte del grupo en lugar de rechazarlo sería al menos coherente, pero ignoro si la coherencia de su rutina les importe demasiado.

 

DIVORCIADAS, EVANGÉLICAS Y VEGETARIANAS

Por Mario Ficachi

Se trata de una obra escrita por Gustavo Ott (Caracas Venezuela 1963), dirigida por José Emilio de Córdova y presentada en el éste XXVIII Encuentro Nacional de Amantes del Teatro por la Compañía Teatro Atrastiempo con la participación de Karen Ramos en el papel de Meche, Fabiola Juárez en el papel de Gloria y Katty Rodríguez en el papel de Beatriz.

En determinado momento pensé que el formato sería de monólogos aislados del tipo de “Ni princesas ni esclavas” del dramaturgo mexicano Humberto Robles sin embargo esta idea desapareció de inmediato al escuchar que las actrices sostenían un diálogo diciendo estar en una estación del metro, una huyendo de su amante y la otra esperando el tren para suicidarse. He escrito que las actrices “decían estar” en una estación del Metro (tal y como lo solicita el autor) pero nunca nos permitieron siquiera imaginar que así fuera, lo mismo sucede con la escena final… en la que las actrices dicen estar en una montaña pero nunca hay un atisbo de que sea así. Las convenciones propuestas en el escenario deben apuntalarse de alguna forma así como lo hace el director en la segunda escena que transcurre en el interior de un cine. 

El análisis de personajes, herramienta necesaria en el Teatro, nos ayuda a ir comprendiendo las intenciones de los personajes, su historia, la relación con otros personajes y sobre todo: cómo, a quién y por qué decir los parlamentos que le corresponden a cada uno. Esto irá pautando la forma en que el director concibe su montaje. 

La manera en que un personaje habla, piensa y actúa, nos puede decir mucho sobre él mismo. Nuestra imagen es, sin embargo, complementada por lo que los demás personajes nos dicen sobre el personaje en cuestión, y por la actitud que muestran hacia él o ella.

En mi opinión a los integrantes de esta Compañía les hizo falta trabajo de mesa para tener un análisis de personajes exhaustivo pues mientras Gloria (Fabiola) grita sus parlamentos al público en lugar de dirigirse a sus compañeras; Beatriz (Katty) hace un trabajo interior, el mejor de las tres, y Meche (Karen) está totalmente perdida por no saber a quién dirigirse.

Hay por otra parte necesidad de adaptar algunos términos de la obra. Lo que en España o Caracas es la “linterna” en un cine, en México son las acomodadoras (en Teatro al menos). Lo que mencionan como “Coñazos” son en México: madrazos. Lo que nombran como “Parlantes” son bocinas etc. No creo que el señor Ott se moleste si sabe que su obra se adapta a los modos de otro país que no sea el original de su creación. Inténtelo y verán cómo mejora su puesta. 

 

LAS AVENTURAS DE DON QUIJO

Por Mario Ficachi

La Compañía Teatro RENO (Reséndiz-Nolasco) de Ecatepec, Estado de México se ha presentado regularmente en el Encuentro Nacional de Amantes del Teatro. En ocasión de la XXVIII Edición, nos muestran algunos pasajes de la celebérrima novela El ingenioso hidalgo Don Quijote de la Mancha del autor español Miguel de Cervantes Saavedra (1547-1616). Con ello se adelantan a las celebraciones que surgirán tanto aquí en nuestro país como en todo el mundo con motivo del cuarto centenario de la muerte del “Manco de Lepanto”.

Dirigida por Ray Nolasco con Víctor Báez (narrador), Alejandra Guinea (sobrina) Adriana Reséndiz (Sancho Panza), Carlos Alberto Sánchez (Ventero) y Guillermo Jair (Don Quijote) la obra tiene hallazgos y tropiezos. Un tropiezo imperdonable es no dar crédito a sus actores en el programa de mano.

Con una escenografía basada en mobiliario plegable de madera, vestuario adecuado y una selección musical que contrasta con la época, vemos al protagonista ir y venir, bajar y subir al escenario con su triste figura a cuestas montando a Rocinante un títere de gran tamaño al que en poco tiempo olvida recargado en alguna parte del Teatro. Muchas son las palabras que los niños y muchos jóvenes no comprenderán pues la adaptación peca de verborreica. En mi opinión debieron mostrar a los espectadores más acciones y menos explicaciones. El episodio de la Princesa Micomicona por ejemplo es demasiado largo y poco atractivo.

Al final se abre el telón comodín, el grupo presenta una pantalla donde se proyecta la silueta de Don Quijote seguido de Sancho Panza. A manera de parodia Don Quijote recita algunos versos de El sueño Imposible relacionado con el musical que tanto conocemos y muere.

Adriana Reséndiz se luce interpretando a Sancho Panza. Guillermo Jair juega a ser un Quijote maquillado extrañamente pero eficiente y simpático y Víctor Báez funge oportuna y dignamente como vínculo entre las escenas y los espectadores. Un buen elenco sin duda.

Escribo estas líneas y me sigo preguntando ¿Por qué evadir el nombre real de la obra en que se han basado? Nadie se llama Don Quijo en la obra original y tampoco en la adaptación. Pero en fin, “Soluciones Veredes Sancho”

 

CARACOL Y COLIBRÍ

Por Mario Ficachi

 En la Danza los bailarines están acostumbrados a que las luces los sigan. En el Teatro el actor debe encontrar la manera de “meterse a la luz” pues de otra manera hará su trabajo en las sombras. Eso pasa en este montaje de la obra de la dramaturga Sabina Berman (Ciudad de México, 1955) dirigido por Estefanía Gallegos con su propia participación en el elenco interpretando al Caracol, Estefanía Ortiz fungiendo como flautista y Néstor Vidrio, el Colibrí. Las luces están por un lado y los bailarines están en las sombras. Justo para corregir estos pormenores es que se fijan ensayos en el Teatro Jiménez Rueda que por cierto cuenta con un equipo muy eficiente de técnicos que resuelven con prontitud cuanto problema se presenta. Imaginan si no se contara con dicho personal ¿Cómo se podría cumplir con alzar el telón de hasta cinco funciones en un solo dia del XXVIII Encuentro Nacional de Amantes del Teatro?

La obra de Berman sugiere espacios múltiples por donde se desplazarán el Caracol y el Colibrí y su diálogo los irá acercando en calidad de amigos. Los actores-bailarines cumplen en cierta forma con las indicaciones de una directora que debió dejar la empresa a alguien más para así interiorizar la problemática de un molusco frente al ave más rápida de la creación. Por si eso fuera poco sólo es audible y comprensible la voz de Néstor Vidrio.

“Remo, y remo y remo”… “Camino, camino y camino”… “Hablo y hablo” Son parlamentos que se repiten con nula acción. La directora pasa de una escena a otra con largos oscuros lo que alarga la obra perdiendo el espectador el interés por la historia.

Hay que resaltar la disciplina dancística y la preparación de los tres participantes. Sugiero a la joven Gallegos tomar un taller de dirección escénica, eso le dará las herramientas necesarias para volver a aventurarse en el mundo del Teatro.

 

ABUELITA DE BATMAN

Por Mario Ficachi

En la presente edición del Encuentro Nacional de Amantes del Teatro se ha presentado ya una versión de los mismos cuadros de este tan montado texto. Corresponde ahora al grupo “Loa Teatro” de ciudad Reynosa Tamaulipas presentarnos el cuadro del político borracho y el de la pareja de casados que ensayan a ser infieles sin mucho éxito.

Alejandro Licona (Ciudad de México, 1953) es un autor prolífico que ha sido premiado en múltiples ocasiones lo mismo en nuestro país que en España. Sus obras son bien recibidas por los espectadores que en cierta manera se reconocen en sus personajes aunque dudo mucho que en sus situaciones. Así tenemos a la mujer abnegada, al marido mujeriego, al político hablador, a los esposos violentos, al marido mandilón, al amante cobarde etc.

Eduardo Calderón Castillo dirige y actúa. En ambos trabajos sale avante. Su dicción como actor es perfecta y su trazo como director es limpio y eficiente. El vestuario está bien seleccionado e incluso es creíble el uso de la utilería (lo que a mí en lo personal no me convence es que en uno de los cuadros se la pasen bebiendo sin que nos percatemos de algún síntoma de embriaguez).

Lo que debiera de hacer Calderón ahora que tiene un elenco es arriesgar en un terreno de creatividad que lo pruebe con otro tipo de textos o quizá con un texto que surja del trabajo mismo con su elenco Edafne Lara, José Mauricio Salas y Luis Pérez Ramírez. Actores cuya presencia celebramos.      

ALUNIZAJE FORZOSO

Por Mario Ficachi

 Nuevamente estamos ente la “Pepita de oro” que nos alienta a confiar en el maratón de Teatro que en enero de cada año presenta el Encuentro Nacional de Amantes del Teatro.

Un texto sencillo con momentos imaginativos de gran valor escrito por Víctor Lamadrid y dirigido con algunas carencias por Alejandro Lamadrid. La Compañía “Lugar de los espejos” nos regala esta Farsa Trágica de Sublimación (cualquier cosa que signifique tanto apellido) haciendo participe a Luis Antonio Lamadrid y a Ricardo Lamadrid el primero como narrador y el segundo creando los ambientes necesarios mediante música de un teclado en vivo.

La anécdota merece ser reproducida: México se adelanta a los Estados Unidos enviando a dos de sus astronautas a la luna. Ellos llegan pero no pueden regresar. El equipo de comunicación con que cuentan se averió al igual que la nave que los llevó hasta el romántico satélite. Tanto Olegario como Rómulo se reconocen como héroes y terminan rompiendo los protocolos militares para convertirse en amigos y, cosa muy nuestra, en compadres. Ingenuamente colocan la bandera de México en la superficie lunar y graban un mensaje dirigido al hijo que no conocerán. Las autoridades gubernamentales dan por terminada la misión tomando una copa “por el éxito no obtenido”. Es el año nefasto de 1968. Se habla de las XIX Olimpíadas y de los disturbios estudiantiles.

Una cosa se le reprocha al autor y es que no señale al entonces presidente Gustavo Díaz Ordaz haciéndolo responsable de lo que ha de suceder en octubre de aquel año. La matanza de Tlatelolco es ya un episodio histórico reproducido en los textos gratuitos de educación básica con suficiente información como para elegir la forma dramática para decir lo que todos sabemos. No creo que este hecho lleve al autor a preguntarse, como sus personajes lo hacen, si una cosa es cierta “asegún si… “ o no lo es “asegún no…”

Mis felicitaciones. El entusiasta aplauso con que fueron premiados está plenamente merecido.

 

TENGO UN ARMA

Por Mario Ficachi

Estimado Alberto Sosa:

Recuerdo la primera vez que te vi actuando ésta obra en el Foro Pita Amor propiedad de Patricia Reyes Espíndola, en Dinamarca 50 colonia Juárez. En aquel entonces hace más de diez años te hice notar que tu personaje “Farolín” es un payaso frustrado, torpe, engañado por su mujer, empujado por su desesperación a cometer un crimen; el secuestro de un niño. Para él no hay salida posible. Es su última carta para poder regresar a los brazos de su esposa, para poder regalar a su propio hijo un juego de Play Station y para poder, como familia, entrar a una taquería y saciarse. Lo que estoy escribiendo es producto de un análisis del personaje de tu creación, son las características que tú imprimiste a ese personaje que te dio el premio en 2004 del mejor monólogo a nivel nacional. También recuerdo haberte sugerido varios actores que podrían sin lugar a dudas representar a Farolín, entre ellos Víctor Trujillo, Jesús Ochoa, Patricio Castillo, Héctor Suárez. Lástima que no ha podido suceder.

Has venido desde Puerto Vallarta Jalisco a presentar “Tengo un arma” que no estaba programada en el XXVIII Encentro Nacional de Amantes del Teatro. La obra que esperábamos ver era “El Ornitorrinco” de Humberto Robles; pero no te aflijas, no eres el único que ha cambiado de obra, las razones han sido diversas. Entiendo las circunstancias a las que cruelmente la vida te enfrenta y lo lamento pero creo que Tú y Adriana tienen la actitud correcta: La vida continúa.

Tú sigues empeñado en actuar a “Farolín” y me parece un error. No has comprendido a fondo tu misma obra. Adriana Millán ha hecho lo que a su alcance puede hacer con el texto, pero al no tener respuesta de peso, su trabajo de dirección escénica se pierde en idas y venidas del actor por el escenario y ahora, además, entre los espectadores. No, querido Alberto. Tanto movimiento demerita la situación. La pista sonora está por encima de tu voz y resulta incomprensible. El argumento se pierde entre maldiciones y parlamentos confusos.

Deja que tu texto viva su propia historia; sé que en varios estados de la República lo han montado… despréndete de él y escribe otras cosas.

Perdona si en las actuales condiciones por las que atraviesas me atrevo a escribirte como lo hago. Con la estimación de siempre.

Mario Ficachi

 

EL DIA DE LOS CAMBIOS

Por Mario Ficachi

 No, no se trata del nombre de una obra, quise dejar constancia de los cambios hechos por dos grupos que hoy viernes 22 de enero estaban programados con la obra “Selaginela” de Emilio Carballido y la obra “Testigos de un sueño” de José G. Domínguez; en lugar de presentarnos esos montajes vimos:

1)    “Espejo 2” de Emilio Carballido (Veracruz, México 1925, Veracruz México 2008)

La Compañía Rascón Banda de la Universidad Tamaulipeca (Ciudad Reynosa) presenta este cuadro sacado de “DF, 26 obras en un acto” (publicado por vez primera en 1978) el famoso libro del dramaturgo veracruzano. Cabe señalar que la intención del maestro Carballido fue escribir obras cortas para que fuesen representadas por estudiantes de actuación, sin embargo la fuerza de sus diálogos y el perfil de sus mexicanísimos personajes ha permitido que grupos profesionales se vean atraídos para representarlos. Uno de los mejores momentos de lo que escribo tuvo lugar recientemente en “Microteatro México” donde una larga lista de actores y directores reconocidos representaron trece de dichas obras como homenaje a su autor.

En esta ocasión el texto “Espejo 2” es dirigido por Eduardo Calderón Castillo con su propia  actuación y la de Edafne Lara Rodríguez. La situación es ingenua y delirante. Más una farsa que una comedia. El público festeja ahora y festejará siempre que la mujer infiel se salga con la suya ante un marido pusilánime y bobo… Por eso es que cuando la obra es interpretada por adultos y no por jóvenes estudiantes el realismo raya en absurdo. En fin, ese es el planteamiento del director que resuelve las escenas con acierto pues él mismo como actor cumple satisfactoriamente su cometido. Una sola cosa he de señalar como aporte al trabajo, el manejo corporal de Edafne es extremadamente limitado y tiende a repetir movimientos a manera de tic nervioso, su cuerpo en continuo vaivén por doblar las rodillas le resta formalidad a su personaje. Espero que llegue a corregir el defecto pues será en su propio beneficio.

2)    Igor de las palomas

Conocida también como “El monstruo y las palomas” de José G. Domínguez dramaturgo hidrocálido, actor y director, trae ésta obra en vez de “Testigos de un sueño” de su propia autoría que cuenta en una síntesis inteligente la novela de Mary Shelley “Frankestein o los Prometeos modernos” cuya primera edición se conoce en 1818. Han sido múltiples y exitosas todas las versiones cinematográficas (incluyendo comedias) sobre el terrible monstruo creado a base de pedazos de cadáveres. La necesidad de explicarse el origen de la vida y crearla ha sido un tema que siempre ha atraído al hombre, ésta creación literaria trata esa curiosidad.

En la versión del monólogo de José G. Domínguez, actuada eficientemente por él mismo, el personaje eje no es el atractivo monstruo ni su creador, sino el asistente Igor que relata y justifica los intentos del científico relacionándolo además con la presencia de frágiles palomas.

El actor sube al escenario  a un limitado grupo de espectadores que le servirán durante el tiempo de su actuación como interlocutores haciéndoles preguntas ingenuas o solicitándoles su asentimiento que justifiquen sus acciones. El espacio propuesto es la sala de espera de un consultorio o algo similar para cierto tratamiento mental. Alto riesgo hacer participar a espectadores en su quehacer pero el actor lo hace bien y la propuesta le ayuda a la continuidad de su trabajo. También Domínguez se apoya en una pista sonora que en ocasiones manipula los sentimientos del espectador y además lo hace con melodías trilladas demasiado conocidas que nos distancian de la historia.

Un trabajo excepcional que lleva ya más de una década de presentarse en diversos escenarios y que seguramente será considerado como uno de los mejores en ésta XXVIII edición del Encuentro Nacional de Amantes del Teatro.

 

EL EXTENSIONISTA

Por Mario Ficachi

Me resulta interesante escribir sobre ésta puesta en escena ya que a los pocos años de mis inicios como actor, en la década de los años setenta, la vi emocionado por su tratamiento, por sus actuaciones y por el momento que fue montada (1978) en el Teatro de la Juventud del Instituto Nacional de la Juventud bautizado en el año 1976 como Consejo de Recursos para la Atención de la Juventud (CREA).

La representación trata los problemas de corrupción, abuso de poder y explotación de campesinos, narrando la historia de un joven ingeniero agrónomo que es enviado a un pueblo para ayudar con las cosechas a los campesinos; cuando llega al pueblo, llega con ánimo de sacarlo adelante y de ayudar a que haya más ventas y mejores cosechas, pero se va dando cuenta de que hay ciertas personas que manejan a los campesinos y que los obligan a sembrar lo que más les convenga.

Felipe Santander (San Luis Potosí 1934, Cuernavaca, Morelos 2001) autor de su Espectáculo Político-Musical “El Extensionista” (Premio Casa de las Américas 1980) estaría asombrado de que su obra, considerada un hito en el Teatro mexicano, se siga presentado con el trazo básico que él mismo la concibió y la síntesis de la escenografía original de Félida Medina. (Ahora la reposición es responsabilidad de Carlos Águila). Pero más se sorprendería sabiendo que las condiciones de los campesinos en México son similares a las que prevalecían cuando él escribió su texto.

Durante diez años, de 1978 a 1988 se presentó “El Extensionista” en el Foro del CREA y desde entonces se ha venido representando en cuánto foro en la República la acepte; la Compañía, que tiene el nombre de la obra, está integrada por Carlos Illescas, Gerardo Bosco RR René, Carlos Águila, Jesús Espinoza, Horacio Flores, Karen Vallejo, Gabriel Lagos, Jaime Bobadilla, Ana Teresa Ávila, Adriana Chapela, Heriberto Rosas, Christo Muñoz, Maxy Pelayo y Luis Mauricio García. Todos y cada uno de ellos y ellas veraces en su interpretación.

Habría que recordar a algunos de los actores que han hecho realidad éste histórico montaje: José Luis Castañeda, Miguel Couturier, Enrique Muñoz, Miguel Angel Zevada, Adriana Parra, Carlos Rosales, Armando Pacheco, Ludivina Olivas, Francisco Cosme, Víctor Corzo, Antonio González, Felipe Casanova, Alvaro Armendáriz, Concepción Márquez, Rodolfo Odi, Gabino Palomares, Pablo Jaime, David Villalpando, Manuel Villalpando, Angelina Cruz, Bárbara Córcega, Claudia Gálvez, Francisco Kuy Kendall, etc. alguno de ellos ya fallecidos.

Me permitiré hacer varios señalamientos al grupo y su director: Usar agua en la Jofaina (escena del extensionista lavándose), no mimarla. Dejar la ropa y mochila del extensionista durante toda la obra en el lugar que le corresponde, evitar la repetición de parlamentos dichos sin intención (hace falta ensayos) y no respetar la parte de la última escena en que se mata al único testigo del asesinato… Juancho debe vivir para señalar a los asesinos.

Felicito a todos los integrantes actuales de “El extensionista”, a todos aquellos que han intervenido en el correr de estos casi 40 años de representación y muy especialmente a Carlos Águila que ha mantenido vivo el nombre del dramaturgo Felipe Santander a través de su memorable y vigente texto.

 

EL OGRITO

Por Mario Ficachi

De la autora Suzanne Lebeau  (Quebec, Canadá 1948) la obra nos relata la relación de un niño extremadamente desarrollado para sus seis años de vida con su madre, sus compañeros, su maestra de escuela y la memoria de su padre un hombre lobo es decir, un verdadero ogro.

Producciones La Cura presenta este texto considerado Teatro para niños, bajo la dirección de José Luis Mejía y las actuaciones de José Juan Núñez como el ogrito y Sandra Guevara en el papel de su mamá. Originalmente la obra se montó en el Teatro El Galeón con las actuaciones de Arcelia Ramírez y Alejandro Calva dirigidos por Martín Acosta en 2003.

Demasiados oscuros, ausencia de ritmo y manejo torpe de toda la utilería nos hacen pensar en un director y actores sin experiencia. Las actuaciones se apegan a las instrucciones de Mejía resolviendo según sus capacidades los escollos que el texto les va presentando, pero no llegan a convencernos, por ejemplo cuando el niño Simón arremeda la actitud y palabras de su maestra.

La autora ha tocado un tema extremadamente espinoso cuando incluye en su escrito tres pruebas por las que Simón ha de pasar para dejar de ser hombre lobo, como su genética le obliga, es decir, ¿puede el niño renunciar a lo que su padre genéticamente le ha heredado? Mi respuesta es que eso no es posible. Como metáfora funciona el que la independencia de un ser respecto a sus progenitores sea posible, incluyendo las leyes de Mendel. Pero esa no es la propuesta del grupo “La Cura”

Un texto complejo con actores poco adiestrados y dirección fallida. Sí, también esto sucede y es bienvenido en el XXVIII encuentro Nacional de Amantes del Teatro.

 

POLVO QUE LLAMA

Por Mario Ficachi 

Nuevamente una propuesta escénica que llega a la capital desde ciudad Reynosa Tamaulipas, esta vez es el Teatro de la Casa de Cultura de esa ciudad dirigido por Eduardo Calderón quien decide probarse ante un texto dramático de Jesús Alvarado cuyo género es Melodrama y no Pieza como indica el programa de mano.

En una escenografía atractiva que muestra muebles cubiertos, telarañas y un sinfín de objetos antiguos como relojes, muñecos, ropa, baúles, fotografías enmarcadas, telas etc. se desarrolla la acción. El elenco y el director parecen no comprender la complejidad de sus personajes que saltan de una interpretación psicologista, al melodrama, al simbolismo, al realismo y finalmente a la nada. No hay pausas ni sorpresa alguna. Pareciera no suceder gran cosa y sí que sucede:

El personaje de Nancy (María Ismerai González) entra a una casa donde es una intrusa, Leonor (María de Lourdes Salinas) la trata como si la estuviese esperando. Romel Orozco la confunde con Aurora su hija antes de que la transformación sea clara y el criado Luis Pérez Ramírez —que aparece sin justificación— le recuerda a Nancy-Aurora que han sido amantes… lo que no parece cambiar en nada al personaje femenino. Un total embrollo.

Estamos ante un texto que requiere de momentos sombríos claros, de reacciones continuas y de expectación. Pero todo eso nos lo escabulle la dirección escénica y la falta de un análisis de personajes profundo.

Será interesante seguir la producción dramática de Jesús Alvarado y del Grupo de la casa de Cultura de Reynosa Tamaulipas cuya presencia en el XXVIII encuentro Nacional de Amantes del Teatro confirman que “algo sucede en Tamaulipas en el plano de lo cultural”

 

Publicado el 29 de enero, 2016 | Por | Sin Comentarios | En la categoría Difusion Publicaciones Recientes Teatro Teatro contemporáneo | Con las siguientes etiquetas Etiquetas:

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