XXVIII ENCUENTRO NACIONAL DE LOS AMANTES DEL TEATRO 2016. “ANÁLISIS Y TESTIMONIO DE ANARACELI ALVARADO ÁLVAREZ”

XXVIII ENCUENTRO NACIONAL DE LOS AMANTES DEL TEATRO 2016.

“ANÁLISIS Y TESTIMONIO DE ANARACELI ALVARADO ÁLVAREZ”

 

Encuentro_1

Se lleva a cabo del viernes 8 al 31 de enero, en el recinto teatral “JULIO JIMÉNEZ RUEDA” y este año de 2016 cumple 50 años.

 

“SIN SOMBRERO Y CON GUARLAPAS”

De Ciudad Victoria Tamaulipas, Compañía “TEQUIO”, dramaturgia y dirección de Medardo Treviño. Un monólogo, soliloquio o trabajo escénico unipersonal, interpretado por el actor Alejandro Lustral. El texto es una alegoría a la descripción de un hombre nacido y criado en el norte del país, bragado, voz explosiva, bien plantado, orgulloso de su estirpe. El personaje explora en su interior, para lograr entender todo lo provocado por sucesos externos y lo que significó en su vida. La capacidad histriónica de este actor, es el resultado de la disciplina y el constante trabajo comprometido, que le ha permitido explorar un sin número de personajes, en diferentes géneros teatrales. La dirección del maestro Medardo Treviño, demuestra una vez más que ‘no se engolosina’, sino que su profesionalismo le otorga la capacidad no sólo de recrear en el escenario su dramaturgia, sino de propiciar que Alejandro Lustral, demuestre su capacidad de transmisión de emociones y sentimientos, uso de la voz, volumen, tono, ‘time’, expresión corporal, desplazamiento en el escenario vacío, con sólo dos bancos de apoyo escenográfico, música y lo más difícil para el actor, ‘verosimilitud’, en su primer trabajo unipersonal.  En este juego de espejos que es ‘la puesta en escena’, el ‘respetable público’ reflexiona y descubre lo que este hombre esconde, que como mecanismo de defensa usa su voluptuosidad y poder de convencimiento. ¡FELICIDADES!

 

“HUEHUETLATOA”

De Acapulco, Guerrero, Compañía “LA GRUTA”, dramaturgia de Arturo Meza Rodríguez, versión, dirección y actuación de Manuel Maciel Campos. Sin duda un trabajo de rescate de nuestra cultura ancestral, de los rituales de la montaña del estado de Guerrero, tan conflictuado en pleno siglo XXI. En estos tiempos de violencia global, debemos recurrir a la cultura de nuestros pueblos, a nuestras raíces, para fortalecer nuestro espíritu y seguir luchando por conseguir una mejor calidad

de vida, y sobre todo alcanzar la Paz. ‘El Chamán’ que escenifica y narra esta leyenda, interpreta a cada uno de los personajes que intervienen en la leyenda, asumiendo cada rol, con expresión corporal, voz y una clara intención, con su significado en cada uno de los subtextos. El bajar del escenario, lo hizo para envolver al ‘respetable público’ en su ‘puesta en escena’, como se hace en los rituales, involucrando a la comunidad asistente, desde tiempos inmemorables en nuestro país. Los elementos, el apoyo musical fue preciso y muy bien aprovechado por Manuel Maciel Campos, en su trabajo unipersonal y polifacético. ¡FELICIDADES!

 

“RIÑÓN DE CERDO PARA EL DESCONSUELO”

De Jalapa, Veracruz, Compañía “DesenCajaDos”,  dramaturgia Alejandro Ricaño, dirección Raúl Santamaría. Una obra que requiere de alto nivel actoral, amén de que se cuenta con un texto bien escrito, dialogado y estructurado; sin embargo, ‘la puesta en escena’, dejó mucho que desear, faltó capacidad creativa directriz, rigor, capacidad de interpretación, transmisión de sentimientos y emociones, voz, volumen, tono, dicción, ‘tempo’, sobre todo creer en su personaje y dar a cada diálogo la intención que el autor quiso darle, para lograr ‘humor negro’, porque en este caso es indispensable dar la intención que significa el subtexto de cada diálogo, para lograr la degustación de la estética de esta expresión escénica. Espacio bien aprovechado, se manejaron varios niveles, abusaron de los oscuros, del ruido ensordecedor constante en cada cambio de escena por parte de Clochard, interpretado por Emilio Braojos, el personaje de Marie asumido por María Bravo, hizo lo posible por agradar a su contraparte Gustave, sin que pudiera convencer a los espectadores de creer en lo que decía, faltó ‘verdad’ en su interpretación. Iván Chimal como Gustave, hizo lo mismo, llevó a cabo un debate dialogado, sin creer tampoco en sus textos, los dos actores memorizaron y dijeron las palabras escritas por el autor, sin darles significado, sin crear cada uno la psicología de su personaje, faltó entender cada uno de los diálogos y los correspondientes subtextos, no sólo repetir, ¡faltó dirección!

 

“NI PRINCESAS NI ESCLAVAS”

De la ciudad de Aguascalientes, Aguascalientes, Compañía “AL TROTE”, dramaturgia Humberto Robles, dirección José Claro Padilla Beltrán, una obra en dos

tiempos, antes-después, tres féminas de diferentes estratos sociales, formación y profesión. La alegoría de: Ama de casa-mujer tradicional mexicana, soporta violencia psicológica, física y trabaja en el hogar las 24 horas. Sexo servidora-mujer liberada, soporta vejaciones a cambio de paga, se siente orgullosa de su profesión. Profesionista-mujer intelectual, habla cinco idiomas y tiene un doctorado, pero se queja de estar sola porque le huyen los hombres. Una ‘puesta en escena’ divertida de principio a fin, con apoyo musical ‘guapachoso’ que prende el ánimo del público, al mismo tiempo que tiene la oportunidad de reflejarse en este juego de espejos. Janetzi Sema en el papel de Lupita-ama de casa, Ivonne Gallegos como Thelma María-sexo servidora, asumen su papel con gracia, Anayeli Campos interpreta a Patricia-mujer intelectual, le faltó crear la psicología de su personaje con ‘verdad’, también al director, le faltó dirigirla, dado que era el personaje que competía con los otros dos, con los que el público se identifican de inmediato. Si en la Sinopsis dice: drama y humor ácido, debieron asumir tal mención, sobre todo en este último personaje.

 

“PALITROCHES”

De la delegación Miguel Hidalgo de la ciudad de México, Compañía “EL ORIGEN TEATRO”, dramaturgia y dirección Laura Mirandé, una ‘puesta en escena’ en que los personajes infantiles juegan e involucran al público, porque contagian con la diversión de sus juegos; una vez animados, invitan a algunos niños a subir al escenario y repetir uno de los juegos, (que no explicaron al presentarlo la primera vez, que eran una oruga con antenas, formada por tres niños y otro niño era un pajarito que trataría de comérsela). Al subir los niños, tampoco les explicaron en qué consistía su participación, así que sólo les siguieron la corriente. Bien por fomentar la creatividad, los juegos con ambos sexos y jugar con lo mínimo, para divertirse. Damaris Flores Torres, es Damaris, Nancy Yareli Almazán Bárcenas, es Yareli, Ángel Heriberto Hernández Herrera, es Ángel, Esteban Cárdenas Arboleya, es Esteban. Cada personaje se interpretó a sí mismo, por lo cual no fue necesario hacer el trabajo de ‘creación de personaje’, simplemente asumieron su papel de infantes, (espero que hayan trabajado con sus recuerdos infantiles), porque interpretar a un infante, no es nada fácil,

 

generalmente interpretan niños ‘ñoños’, que considero como educadora, una falta de respeto a los infantes, que son más inteligentes que algunos adultos. (Sobre todo, llegan a una conclusión lógica, sin un proceso largo como lo hacemos los adultos, por tener mucha información). Cuando bajaron los niños de todas las edades, les dijeron: ¡corran!, ¿en un teatro?, ¿espacio desconocido para ellos?, existen escalones, no hay seguridad para correr, sólo en espacios abiertos; por favor recuerden las instrucciones: ¡No corras! ¡No empujes! Su obra teatral es  para toda la familia, donde está presente público infantil. ¡SIEMPRE DEBEN PENSAR EN LA SEGURIDAD DE LOS INFANTES!

 

“HAZU”

De Los Cabos, Baja California Sur, Compañía “TTEA”, dramaturgia y dirección Francisco Barragán, una ‘puesta en escena’ que dejó mucho que desear por el mal uso de los elementos, pensando que los niños no entienden muchas cosas, ni se dan cuenta de los errores garrafales que cometieron, no sólo con el hecho teatral, sino con las situaciones en escena. Hazú es la protagonista, que en ningún momento asumió el personaje de muñeca, interpretada por Enriqueta González Romo. Duda (en el programa dice: Olga Nelly Ramírez) la interpretó un hombre con gran capacidad histriónica y simpatía. Oscar Ceseña como Lino, un actor que sólo hizo lo que le dijo el director, porque en ningún momento demostró tener iniciativa para recrear y disfrutar su participación como su compañero Duda (que me gustaría saber su nombre para felicitarlo). En una escena, voltean a ver al guitarrista, que durante toda la obra estuvo presente y tocando en ‘vivo’, y se preguntan los personajes: ¿quién es?… los niños pensarán, ¿a poco no lo habían visto?… Después aparece un semáforo, con los tres colores encendidos, ¡nunca están así! Y para colmo, dicen estar en la ciudad y hablan de ¡rayas amarillas para el paso de peatones! En ninguna parte del mundo son amarillas, son blancas y se llaman ¡CEBRA!, porque con el fondo negro del pavimento y las rayas negras parece la piel de las cebras (la que esto escribe trabajó Coordinando el “Teatro de Educación Vial”, con obras de mi autoría, conformado por 14 elementos de la Policía y Tránsito del Gobierno del Distrito Federal, nos presentamos en las Escuelas,

 

tomando en cuenta que los alumnos son agentes de cambio para que exista consciencia ciudadana). En otro momento dicen que la luz verde ya puede pasar, el actor que asume el papel de Duda, agrega que cuando para los autos es roja, para los peatones es verde, pero hay confusión, porque nunca encendió ningún color por separado. Además, cuando están en la profundidad del mar, nunca se lo creyeron, porque no se notó la densidad del agua, caminando en ‘cámara lenta’, sólo Duda se lo creyó. Lo mismo que en el desierto, no se veían con calor, ni cansados; el sólo decirlo y limpiarse la frente, como lo hizo Hazú no le da verosimilitud al hecho. El Teatro es por antonomasia Juego, ¡disfrútenlo!

 

“A.B”

De Xalapa, Veracruz, Compañía “SIETE DE ESPADAS”, dramaturgia Anthar Santos Alvízar, dirección Colectiva, personaje A, representado por Cinthia Campomanes Mejía y personaje B, le dio vida Karla Rossana Merino López. “¡EL TEATRO!”, es por antonomasia ‘lúdico’, con lo que los creadores escénicos, deben disfrutar su trabajo, incluyendo la dramaturgia, la directriz, escenografía, vestuario, maquillaje, luminotecnia, musicalización  y sobre todo los actores, que se encuentran en el escenario, que son los ‘emisores’ de la comunicación, para lograr transmitir emociones y sentimientos. Tanto  Anthar Santos Alvízar, la Compañía “SIETE DE ESPADAS” y ‘dirección Colectiva’, Género: ¿Comedia? Están experimentando, porque después de ver lo que hicieron, los conmino a seguir trabajando con asesoría profesional, porque la creación requiere de estudio, ver ‘puestas en escena’, constante trabajo y sobre todo disciplina. Es indispensable pensar en el ‘respetable público’, porque sin espectadores, ¡no existe el Teatro! Sólo así se logra ‘montar una obra’. Abusaron de emitir sonidos agudos, que lastimaron los tímpanos de los presentes; vestuario indefinido, sentadas en el piso, y cubiertas de la cara, no encontré significados, ni significantes. Deben trabajar más para concretizar sus creaciones, dramaturgia, actuaciones, porque en cuanto a dirección, seguramente hubo muchas opiniones, por eso no se llegó a un acuerdo. Les recomiendo que trabajen en otro proyecto, primero definir ¿Qué quieren decir? ¿Cómo lo quieren decir? Elegir la directriz, que se encarga de reunir al equipo creativo, incluyendo a los actores, sobre todo, constancia y disciplina en el trabajo. SINOPSIS.- Es una puesta en escena que reflexiona sobre el quehacer artístico del actor, sobre los lazos de amor, dependencia y amistad que se crea entre los humanos a partir de la convivencia, sobre la angustia de la existencia que en más de una ocasión atormentan al hombre. Los personajes A. B. juegan reflexionando, esperando, cuestionando. ¡Si no existe la comunicación, menos reflexión!    

 

“TIERRA ERES”

De Irapuato, Guanajuato, Compañía “TEATRO TLANCUALEJO”, dramaturgia Ariadna Aragón, dirección Francisco Escárcega Rodríguez. Un tema álgido y cotidiano, que es necesario representarlo, para la reflexión de todos los mexicanos que asistan a la función. ¿Por qué con tanta religiosidad? No es necesario, porque de esta manera lo único que fomentan, es convencer a los espectadores que rezar, es llave mágica y se salvan. “El teatro es arte vivo, un agente de cambio y de conciencia social” Anaraceli Alvarado. Aprovechemos estas características que nos proporciona el ‘quehacer escénico’. La ‘puesta en escena’ fue buena transmisora de emociones y sentimientos. Vestuario y elementos escenográficos, AKANA A. C. (andamio metálico) concesión que significó “La Fiera”, bien aprovechada siempre, tanto en su desplazamiento como en su uso. La mujer ubicada en la parte más fuerte del escenario, picando zanahorias ‘sonido ráfico’, que representa a ‘Las Patronas’ (hace 20 años alimentan a migrantes, recibieron “Premio de Derechos Humanos 2013”). Muy bien por buscar asesorías. Excelentes coreografías de mecánica corporal, actuaciones con verosimilitud. Luminotecnia creó atmósferas, día, noche y Asesoría actoral, a cargo de Luis Escárcega, (Ojo: en algunas escenas, algunos personajes con mala dicción y proyección de voz), el que representa al mexicano extorsionador, con buena dicción y proyección de voz, además tocaba la armónica, produjo el sonido propio del ferrocarril y cambio de vestuario, (innecesario el humo). Faltó musicalización como apoyo. ¡FELICIDADES! (Visiten: Serner Mexica, grupo musical: “Código de Guerra”, “INMIGRANTE”).

 

“RELOJ BIOLÓGICO”

Delegación Gustavo A. Madero, ciudad de México, Compañía “LOS BIOLÓGICO INFECCIOSOS”, dramaturgia María Cervantes Balmori, dirección de Carmen Sauri, Gabriela Aguirre como Sara y Vicente Ferrer en el papel de Luis. Una comedia hilarante, donde se representa el insaciable apetito sexual de un hombre casado, con doble moral que tiene una amante que lo excita, pero sin ningún compromiso, argumenta que tiene esposa y dos hijos. Escenografía minimalista y práctica. Sólo dos sillas, vestuario femenino y una mesita, fue suficiente para la representación. Gabriela Aguirre creó un excelente personaje de Sara, voz, dicción, tono, volumen, claros subtextos en cada diálogo, expresión corporal, gestual, con verosimilitud y reacciones exactas. A diferencia de Vicente Ferrer como Luis, dejó mucho qué desear, no creó un personaje y lo peor es, que nunca se lo creyó. Esta ‘puesta en escena’ es un ejemplo, de que no se necesita ‘parafernalia’ para representar  una obra teatral. Sólo capacidad imaginativa de los creadores y actuaciones. ¡FELICIDADES!

 

“LAS DOS FRIDAS”

Delegación Ixtacalco, México D. F., Compañía “Y… ¿PORQUÉ NO?”, dramaturgia y dirección Alberto Aguayo, con Maxi Pelayo Frida Mexicana e Ivonna Haro Frida Europea. El dramaturgo seguramente tomó la idea de presentarlas simultáneamente, de la pintura “Las dos Fridas” de Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón, que nació el 6 de julio de 1807. Esta pintora conocida mundialmente, desde pequeña padeció ‘poliomielitis’, después sufrió un trágico accidente, en el transporte en que viajaba a la escuela, quedando en silla de ruedas. La magia del teatro, la presenta como si hubiera podido caminar, sólo que cojeando, lo cual no fue respetado por las actrices, porque a veces cojeaban y con mucho esfuerzo se desplazaban en el escenario, sin mantener la misma manera de caminar.  La imagen del inicio, ¡excelente!, la réplica casi exacta de la pintura, una con el traje tradicional y la otra más contemporánea, tal y como están en la pintura. A la dirección de Alberto Aguayo le faltó creatividad, el trazo escénico fue monótono, no sostuvieron la ‘cojera’ de principio a fin, con la misma intensidad que iniciaron; faltó dirigir meticulosamente a sus actrices, para modular la voz, algunos parlamentos sin buena dicción y volumen; porque si la actriz da la espalda, se aumenta el volumen para ser escuchada por el espectador de la última fila. El baile, fue buen recurso, sólo que se excedieron en el tiempo de duración, bailaron siempre igual. Si hubiera iniciado la música, la Frida Europea sacara a bailar a la Frida Mexicana y se hiciera del rogar, además con progresión en la manera de bailar juntas, sería más interesante. Sin duda el autor-director, se ‘engolosinó’ con su trabajo y perdió la oportunidad de enriquecerlo. Me gustaría verla otra vez, corregidos los errores.

 

“LOS DIENTES DE SATANÁS”

Delegación Tláhuac, ciudad de México, Compañía “Los poetas muertos”, dramaturgo Alejandro Licona, dirección Julio Alberto López Rodríguez, una comedia divertida, diferente a las más conocidas, con actores que estudiaron la psicología de su personaje, porque cada uno lo recreó con fidelidad, ataviados con la indumentaria propia de los campesinos mexicanos, que además son pastores. En escena se nota un trabajo de equipo, que se divierten al desempeñar su trabajo en el escenario. El vestuario y la utilería de cada personaje, bien seleccionado y bien aprovechado. Diana Ávila como Gabriel, es el primero en aparecer anuncia su presencia y el motivo de su visita. Las pastoras Joselín Arvizu y América Islas, se desempeñan como peces en el agua, los pastores Hugo Guzmán y Mario Luna, con su rol bien definido, logran transmitir, sentimientos y emociones que perciben los espectadores, que se congratulan por ello, escuchándose su respuesta inmediata con risas explosivas e hilarantes, en cada escena. La musicalización un apoyo fundamental en las pastorelas, la luminotecnia creó atmósferas claras en cada escena. Aremi Trejo y Adriana Pérez, diablo 1 y 2 respectivamente, crearon diablitos pícaros, pero sin mucha inteligencia. Julio Alberto López como Satanás, es un caso especial, porque además de ser el director, actúa, por lo que tuvo doble trabajo, estar presente en el hecho teatral y al mismo tiempo, dirigir la ‘puesta en escena’. ¡MUCHAS FELICIDADES!

 

“¡SÓLO BAILA! CABARET” Delegación Cuauhtémoc, Ciudad de México, Compañía “SÓLO BAILA”, autor Francisco Olivié, director Sandra Gamboa. Una de las carencias de las compañías, es la de redactar la Sinopsis. En este caso, narran lo que van a ver en el escenario, lo cual coarta el disfrute de los espectadores. Si ya saben lo que va a pasar, para que vienen a la función. La Sinopsis, se redacta con el ‘live motiv’, del autor en su texto dramático. Sin embargo, se le reconoce a la compañía dedicada al baile, que se preocupó porque el autor creara una dramaturgia, en la que involucrara el baile, para incorporar múltiples coreografías, lo cual permitió que el hilo conductor fuera el baile y contaron la historia, de un niño que no es atendido por los padres, al cual felicito porque demostró temple, presencia escénica, proyección de voz, volumen, buena dicción, verosimilitud, y además, baila mejor que muchos adultos, porque se ve que lo disfruta. El infante y bailarín Carlos Alberto Mora, representó a Tito. Cabe destacar la presencia y desempeño artístico de todos los bailarines Diana Elizabeth Fuentes y Francisco Pardo Villa, que son un ‘ejemplo de vida’; permite que los espectadores, reflexionen sobre la situación difícil por la que está pasando el mundo entero, y nuestro país no es la excepción. Por lo que al verlos en el escenario, ‘el respetable público’ se inspira, se anima y con más ánimo reacciona, para seguir adelante. Los cambios de vestuario, las excelentes coreografías y la musicalización, hacen de esta ‘puesta en escena’, un derroche de energía, lo cual disfruta plenamente el público; debieron darle el crédito a estos creadores, (vestuario, coreografía, selección musical, maquillaje y peinados). ¡FELICIDADES A TODOS LOS MIEMBROS DE LA COMPAÑÍA!

 

“CLOWNCIERTO EN FA SOSPECHOSO”, Compañía “CHANTIAM”, autor y director Hugo Swami Gallardo Hidalgo, en la sinopsis que a la letra dice: “Tres clowns preparan el escenario para el concierto de un gran músico y se enfrentan a múltiples percances para lograrlo. Al presentar al gran músico se enteran de que éste ha muerto…” Nunca demostraron estar esperando a alguien, ¿cómo se enteraron que el concertista murió? ¿Cómo deciden suplir su presencia? Swami Gallardo como Contrapunto, Dzaul Gallardo representa a Calderón. Sus actuaciones singulares, tienen la capacidad de transmitir sentimientos y emociones, usan buenos ‘gags’, vestuario, maquillaje, mantienen el carácter de su personaje, son divertidos, tocan bien y la voz de Ellis Regina Azúa como Anacrusa, es la que cierra con broche de oro su participación. Al director le faltó conservar el ritmo, ‘time’, se tornó en momentos rutinario, algunos movimientos reiterativos, faltó también creatividad para el trazo escénico ‘y sin embargo se mueven’. ¡FELICIDADES!

 

“DIVORCIADAS, EVANGÉLICAS Y VEGETARIANAS” Teoloyucan, Estado de México, Compañía “TEATRO ATRÁSTIEMPO”, autor Gustavo Ott, director José Emilio de Córdoba, tres mujeres ‘dicen estar en un andén del metro’, (‘dicen’ pero no se les cree, porque ni siquiera intentaron visualizarlo, ni tampoco ofrecieron la convención), es una de las cualidades del quehacer escénico, pueden partir de un ‘escenario vacío’ y lograr que el ‘respetable público vea un andén de metro’. En cuanto a la creación de personaje,  Karen Ramos como Meche, Fabiola Juárez personificó a Gloria y Katty Rodríguez representó a Beatriz, esta última actriz, fue la que se desempeñó mejor. Sin embargo, en cuanto salieron a escena demostraron no estar seguras del personaje que representaban, faltó trabajo de conscientización, penetración en la psicología de su personaje, lo cual implica también trabajo de dirección. Antes de memorizar, existe un trabajo de investigación de cada actriz, para conocer las cualidades y defectos de su personaje, para con ese conocimiento ‘encarnarlos’. Todo lo anterior, aunado a una dirección fallida; a la puesta en escena le faltó credibilidad, amén de usar los modismos que el autor venezolano escribió en su texto, no lució ‘el montaje’. Si el director elige a un autor que no es mexicano, debe cambiar los modismos, para que el público mexicano entienda, porque “El Teatro” por antonomasia, es co-mu-ni-ca-ción. ¡Faltó trabajo!

 

“PROHIBIDO SUICIDARSE EN PRIMAVERA” Delegación Cuauhtémoc, Ciudad de México, “COMPAÑÍA TEATRAL PARTENÓN”, autor Alejandro Casona, directora Talía Cabrera, sin duda un texto dramático muy bien estructurado, por uno de nuestros mejores dramaturgos mexicanos, aunado a la dirección creativa; el reto fue ‘ponerlo en la escena’, con lo que esto implica. El equipo creativo del que se rodeó la directora y el joven elenco, lograron tal hazaña. Da gusto presenciar un trabajo honesto, comprometido, sobre todo cada uno de los personajes bien definidos, llevando a cabo una representación como la concibió el autor, en ‘tono de melodrama’, sin llegar a la irritable ramplonería, como lo hacen en la televisión. Cuando hay trabajo bien hecho, sólo se necesitan pocos elementos de apoyo escenográfico, como esta  compañía lo llevó a cabo, amén del vestuario, utilería, peinados, maquillaje y lo más importante, ‘actuaron con verdad’. ¡FELICIDADES!

 

 

“EL OGRITO” Delegación Iztacalco, Ciudad de México, autor Suzane Lebeau, director José Luis Mejía. Un texto dramático dirigido a los infantes, de una cultura completamente diferente a la nuestra, donde conocen a los ‘ogros’, sus características y significado, donde están acostumbrados a escuchar cuentos. En México, nuestros niños son activos, sobre todo en pleno siglo XXI, además recuerden que el teatro dirigido a los niños, debe crearse, diseñarse, y realizarse con pleno conocimiento de sus intereses. Nunca debemos pensar los teatristas, que como va dirigido para niños, debe hacerse con menos responsabilidad, ¡al contrario! Los pequeños espectadores están ávidos de: belleza, acción y sobre todo, menos palabrería. Este texto adolece de todo lo antes mencionado, ¡totalmente discursiva! La dirección, brillaba por su ausencia. El protagonista vestido inadecuadamente, con calzón de manta blanco y pegado al cuerpo, sin pensar en el ‘respetable público infantil’, que era necesario darle color brillante para destacarlo, no sólo con la estatura, por favor sin hablar como ‘ñoño’. Abusaron de los oscuros, que por momentos se prolongaban sin sentido, porque no eran necesarios para las transiciones. La madre, en la mayor de sus apariciones no tenía claro ni el texto, ni su tarea escénica. En cada oscuro escuché a los niños que se encontraban cerca de mí, enfáticos: ya se acabó, ¡ya vámonos! ¡Faltó trabajo!

 

 

“POLVO QUE LLAMA” Ciudad Reynosa Tamaulipas, autor Jesús Alvarado, director Eduardo Calderón. Una ‘puesta en escena detallista’, con elementos creativos, escenográficamente concebidos, los objetos, las telarañas, aunque a veces la luminotecnia no ayudaba a percibirlos. Lástima que la creación y desempeño actoral de los personajes, no correspondieran a tal empeño por parte del director, los actores con mala dicción, faltó proyectar la voz, a veces inaudible. Faltó creación de personaje, trabajo de mesa e investigación, para entender su misión en la historia. Eduardo Calderón debió trabajar más con su elenco.  

 

“COLCHÓN ES…”  Delegación Cuauhtémoc, Ciudad de México, autor y director Mario Ficachi. Un soliloquio, trabajo unipersonal y/o monólogo, con el tema de la ‘contaminación auditiva’ que padecemos los capitalinos, que nos muestra la manera en la que podemos refugiarnos, como la meditación, ejercicios de yoga,  el esoterismo. Sin embargo, nuestra protagonista no lo  logra del todo, porque no puede controlar el sonido del exterior, que invade, hasta el interior de su hogar. Una ‘puesta en escena’ divertida de principio a fin, con una escenografía minimalista, colorida, y sobre todo, una actriz segura, dominando el escenario, ‘como pez en el agua’. El autor director, maestro Mario Ficahi, demuestra su experiencia en ‘las tablas y el oficio’, no se engolosina con su texto dramático, sino que lo recrea en el escenario. ¡FELICIDADES!

 

 

“SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO” Ciudad de Monterrey, Nuevo León, autor William Shakespeare, director Iván Domínguez-Azdar, Un texto clásico, con alto grado de dificultad, no sólo para leerlo, sino para entenderlo, mucho más esfuerzo para ponerlo en la escena. Sin embargo, es loable que el director Iván Domínguez-Azdar y maestro de este grupo estudiantil, tuvo la capacidad de explicarles a cada uno, su misión en esta historia; algunos lo entendieron mejor que otros, pero en general hubo buena disposición, aunque algunas voces eran inaudibles, la mayoría adolecieron de buena dicción, en general se notó el manejo de tiempo-espacio. Algunos destacaron en su interpretación como Karla Guajardo representando a Helena y Melisa Lozano dándole vida a Hermia, estas dos actrices, tuvieron la gracia de transmitir emociones y sentimientos, amén de haber entendido el enfrentamiento en el que se ven involucradas. La escenografía del bosque, bien resuelta, con ramas que pendían de las varas del teatro, sólo que no las colocaron como lo tenían pensado, porque dos actores quedaron al descubierto, sin follaje y no pudieron resolverlo. En cuanto al vestuario, se nota que cada uno aportó lo que tenía, hasta lograr armonía, esto demuestra que con creatividad, se logra representar a los grandes dramaturgos, sin menoscabo de una buena ‘puesta en escena’. ¡FELICIDADES!  

 

“LAS AVENTURAS DE DON QUIJO” Ecatepec, Estado de México,

Compañía “TEATRO RENO” autor y director Ray Nolasco. Este trabajo está dirigido al público infantil, lo cual de entrada es loable, para que conozcan las aventuras del ilustre personaje, el de “la triste figura”, ¡Don Quijote de la Mancha! Este montaje se basa en algunos pasajes de la obra cumbre de Miguel de Cervantes Saavedra, precisamente en este año, se celebran los cuatrocientos años de la muerte de su autor. Una divertida y creativa ‘puesta en escena’, usando sencillos elementos escenográficos, mesa, bancos y silla plegables de madera natural, que cobran vida en escena. El protagonista de buen talante, logra dar el personaje que describe el autor en su novela. Vestuario, maquillaje, peinados, tocados y lo más importante, la creación bien definida de cada personaje. El caballo blanco, ‘rocinante’ y el jumento de Sancho Panza, muy bien logrados con pocos elementos, como si fueran títeres, y el jinete les da vida, lo cual logra un juego verosímil. El elenco está conformado por: Víctor Báez  es el narrador, Alejandra Guinea como sobrina y Dulcinea del Toboso, Adriana Reséndiz le da vida y recrea con gracia a Sancho Panza y a una campesina, Carlos Alberto Sánchez representa al Ventero y Guillermo Jair personifica al protagonista de la obra, Don Quijote. Lo que si le reclamo al autor, es el no poner el nombre completo de Quijote, aunque sea su texto, no debe desvirtuar el nombre original, porque se puede prestar a malas interpretaciones, Quijo…tillo, ‘n’ número de nombres que se pueden pensar. En otro orden de ideas y por enésima vez, repetiré a los que pretenden crear Teatro para infantes, deben tomar en cuenta sus intereses, porque es un público más exigente y  merece respeto de la comunidad teatral. Con capacidad de síntesis diré: pocos diálogos, más acción física y dramática, recuerden que competimos con las caricaturas y películas animadas. Si ‘la puesta en escena’ la hubieran realizado como el escape de la pareja protagonista, con ‘el juego de la llave’, su montaje sería un ¡éxito rotundo! Sólo los diálogos indispensables. Los infantes son muy inteligentes deducen, imaginan, no necesitan explicaciones, menos ‘verborrea’. Reconozco el esfuerzo de creación, y admiro la participación de cada uno de los actores, además felicito y reconozco una vez más, la capacidad histriónica, el bagaje que posee, sus recursos físicos y de transformación, para crear cada uno de los personajes que se le encomiendan, sí, hablo de la actriz Adriana Reséndiz, ¡MIS MÁS SINCERAS FELICITACIONES!  

 

“CARACOL Y COLIBRÍ” Santiago de Querétaro, Querétaro, Compañía “GRUPOS FICTICIOS”, autor Sabina Berman, directora Estefanía Gallegos. Sin duda, eligieron a una de las más destacadas dramaturgas mexicanas, pero no especializada en teatro para infantes, por desconocer sus intereses, y las dificultades para mostrar lo que escribe en un escenario. Repito, no se especializa en Teatro Infantil, ni lo que eso implica. Así que para montar en escena lo que describe, es muy complicado, para cine, televisión o dibujos animados, sería realizable. El esfuerzo que hace esta Compañía, que demuestra su interés por acercarse al público infantil, es loable, pero no suficiente; con su preparación dancística, logran estética fina con su presencia y movimientos. Estefanía Gallegos que personifica al caracol, con su voz ‘ñoña’, sin embargo en otros momentos habló con su voz natural, la conmino a que  use esa voz en el teatro; su desplazamiento rápido, no convence al espectador el ser caracol, que no pretenda que los infantes le crean serlo, sólo con su almohada mal amarrada. Néstor Vidrio como el colibrí, es el que tiene mejor voz, pero nunca vuela, ni hace intentos por volar, tan sólo moviendo los brazos ¡lo hubiera logrado! Porque si algo caracteriza a esta maravillosa ave, es el no dejar de mover las alas, por eso se sostiene en el aire, cuando liba el néctar de las flores. Cuando habla, por lo menos se escucha, con buena dicción; pero ninguno de los dos logran convencer con su actuación, no es ‘verosímil’. Estefanía Gallegos dirige y se presenta en la representación como flautista,  su participación ‘desangelada’, sin un trazo escénico, sólo deambula por el espacio, sin una coreografía definida, (ninguno de los personajes); además, no logró coincidir con la música, es decir, se escuchaba la flauta y no la tenía en la boca, se la quitaba y la flauta se escuchaba. La luminotecnia era nula, no existía una previa preparación, tampoco se notó haber realizado ‘ensayo técnico’, existe especializada iluminación para la danza, me pareció una ¡falla imperdonable!, el que no estuvieran iluminados los personajes. Tienen preparación dancística sus movimientos lo demuestran, les falta actuar, transmitir sentimientos y emociones usando la voz, expresión corporal, gestual y subtextos.  . ¡URGE ASESORÍA ACTORAL Y DE DIRECCIÓN ESCÉNICA!

 

“ABUELITA DE BATMAN” (dos cuadros) Ciudad Reynosa Tamaulipas, Compañía “LOS TEATRO”, autor Alejandro Licona, director Eduardo Calderón Castillo. Este montaje inicia con un político en estado inconveniente, ‘muy borracho’, tanto que apenas se puede tener en pie, de una manera original, irrumpe en el escenario frente al telón, que aún se encuentra cerrado, justificándose, por llegar a su hogar en ese estado, donde predice que su mujer lo va a amonestar. José Mauricio Salas Mata, representa al político, mantiene el personaje con verosimilitud y simpatía, le saca provecho a su capacidad histriónica. Edafine Lara Rodríguez, representa dos personajes, esposa y Amanda, perfectamente definidos, cada movimiento, cada diálogo con un claro subtexto que los espectadores disfrutan, y ella los recrea con natural simpatía. Eduardo Calderón Castillo como Ladislao, recrea su rol con su clara capacidad actoral, sin menoscabo por llevar también, la responsabilidad principal de dirección escénica. Comparte la escena con Luis Pérez Ramírez que le da vida a Amado, que usa expresión corporal, voz, tono, volumen ‘tempo’. El director, resolvió la escenografía con pocos elementos, los esenciales, porque dejó a la actuación, la mayor carga de la representación, a lo que el público reaccionó con gusto y entusiasmo, porque desde el principio, se enganchó con este montaje. ¡FELICITO A TODOS LOS ACTORES Y AL DIRECTOR!     

 

XVIII ENCUENTRO NACIONAL DE AMANTES DE TEATRO “ANÁLISIS Y TESTIMONIO DE ANARACELI ALVARADO”

“ALUNIZAJE FORZOSO” Texcoco, Estado de México, Compañía “LUGAR DE LOS ESPEJOS” autor Víctor Lamadrid, director Alejandro Lamadrid. A partir de un espacio vacío, se presentó esta ‘puesta en escena ingeniosa’, tomando en cuenta que ‘el teatro’ es lúdico por antonomasia, un juego en el que el ‘respetable público’ se enganchó de tal manera, que no sólo lo disfrutó, sino que lo hizo soñar con esta aventura espacial, de tal suerte que no sólo la gozó, sino la que esto escribe, que forma parte del equipo de: “Análisis y Testimonio”,  ¡me divertí como enana!

 

La dramaturgia del autor, Víctor Lamadrid, nos alienta a pensar que algún día lo podemos lograr, llegar a un lugar desconocido, ¡antes que cualquier otro país! Recordando a Nikola Tesla (Protagonista de Ciencia y Tecnología). «Si lo que quieres es encontrar los secretos del universo, piensa en términos de energía, frecuencia y vibración» La ambigüedad del hombre le da su armonía perfecta. «Nuestras virtudes y nuestros defectos son inseparables, como la fuerza y la materia. Cuando se separan, el Hombre no existe». Una de las virtudes que nos permite el quehacer escénico, es la de convertir los sueños en ‘ficción verosímil’. Alejandro Lamadrid, recreó la dramaturgia de su hermano, con los elementos indispensables: dos actores, dos trajes de astronautas, con sus correspondientes escafandras, guantes y zapatos del color que armonizaban con el traje. Por cierto, el lábaro Patrio, ¡se salvó! A pesar del alunizaje donde se averió la nave espacial y el sistema de comunicación. Lo curioso, es que se encontraba en la parte más poderosa del escenario, un tecladista y su teclado, ¿cómo para qué? No era necesario, ¡no aportó nada! Al contrario, rompió la fantasía de que Alejandro Lamadrid, en el papel de Rómulo Martínez y Víctor Lamadrid como Olegario Segundo, habían alunizado y se encontraban en nuestro satélite: ¡La Luna! Una Compañía familiar, porque en los créditos del programa aparecen: Luis Antonio Lamadrid como historiador, Ricardo Lamadrid música en vivo. Así que si lo necesitaban para que los apoyara con ‘música en vivo’, lo hubieran colocado ‘entre piernas’ con micrófono, para que el sonido se expandiera en todo el recinto teatral. Mencionan que esta aventura se realiza en 1968, año fatídico para nuestro país, ¿por qué lo mencionan? Y no dan referencias. El año ameritaba para ¡denunciar!, al cabo están muy lejos del mundo, ahí pueden gritar lo que quieran. ¡FELICIDADES!

“EL DELIRIO DEL MARQUÉS DE SADE” Teoloyucan, Estado de México, Compañía “TEATRO EL NAVÍO”, autor e intérprete Ernesto Navarrete, directora Laura Mirandé. Un monólogo, soliloquio o trabajo actoral unipersonal, en el que el actor se encuentra sólo, donde el protagonista se encuentra en ‘soledad dramática’ en el espacio escénico. Marco Antonio de la Parra, considera que el actor, se enfrenta además al miedo, porque es abandonado en el escenario, al grado ‘CERO’ del teatro. Con escasos 24 años, repite la hazaña, porque hace seis años, tuve la oportunidad de presenciar su trabajo que se autodirigió, cuando el actor sólo tenía 18 años, con el mismo personaje y su texto. En esta ocasión, en 2016, noté que el texto creció, no sólo en referencias, sino bajo la directriz de una directora profesional, en la que se atreve a representar tareas escénicas y acciones que nos retrata, la verdadera personalidad del Marqués; porque desde la primera vez, Ernesto Navarrete estudió perfectamente la psicología del personaje, lo representó con todo lo que implica un ser humano tan polémico, que habló de sexo para intentar establecer un lenguaje político que nadie supo interpretar; o quizás algunos lo entendieron demasiado rápido y encontraron la manera de silenciar sus palabras.

 

Este personaje gran aficionado por el teatro, la literatura, la política y la fascinación sexual; su obra literaria se convierte en un mensaje de un hombre, algo más importante de su época, se convierte en un ‘legado filosófico’ de alguien, quien vivió la Revolución Francesa de frente, y que además, sufrió ataques por parte de la sociedad en la que vivía.  Donatien Alphonse François de Sade no fue solo un escritor pornográfico, fue mayormente un moralista y un crítico político —nacido, según él mismo, de la rama más radical de los Ilustrados—‹‹Je suis un philosophe››  “Sólo los hombres de alma vigorosa, las mujeres de imaginación, podrán comprender su sentido, aprender sus lecciones y estimular fértilmente el terreno de esa libertad por medio de la cual alcanzan su complacencia”. Rechazó, a partir del placer carnal, conceptos como el ateísmo, el matrimonio, la obligación de las mujeres a la procreación, o la prohibición del aborto. ¡Se adelantó a su tiempo!

 

¿En qué punto empieza nuestra naturaleza y dónde termina? Debemos conocer las obras del Divino Marqués de Sade, para que sus palabras nos salpiquen ideas a favor o en contra de lo que debería ser ‘una sociedad más adaptada a la naturaleza del ser humano’.

El binomio que formaron Ernesto Navarrete y Laura Mirandé,   tomaron en cuenta que el monólogo es un ‘náufrago en escena’, donde se pone a prueba el arte mayor del dramaturgo, porque tiene que mantener un ‘naufragio en escena’, el tiempo suficiente, sin que naufrague el interés del ‘respetable público’. El trabajo arduo, la investigación, el oficio, la disciplina, la dedicación  y el compromiso por la creación escénica, fue la fórmula para conseguir: ‘el grandilocuente resultado’.  ¡JUNTOS LO LOGRARON! ¡FELICIDADES!

 

“PEDRO Y EL CAPITÁN” Cuautitlán Izcalli, Estado de México, Compañía “DUO DENO Y OTRAS VÍSCERAS”, autor Mario Benedetti, director Edgar Bucio. Este texto fue concebido inicialmente como novela, pero finalmente significó el afortunado reencuentro del escritor uruguayo con ‘el teatro’, así que convencido del poder del arte escénico, escribió el texto dramático en 1979. Esta obra significa, un testimonio de la crueldad como una ‘indagación dramática en la psicología de un torturador’, un intento de explicación, de las más brutales manifestaciones de violencia, que treinta y seis años después, se sigue practicando, logrando cada día convertir al ser humano en inhumano. Los protagonistas de este montaje son: Juan Antonio Cruz representa al Capitán y Samuel Mondragón personifica a Pedro. Edgar Bucio concibió la ‘puesta en escena’ a partir de un espacio vacío, como lo hacían los griegos, lo importante son las actuaciones, una mesa rústica y una silla son suficientes para recrear la historia, en la que la dramaturgia del autor, presenta la tortura como una presencia infamante, pero indirecta, “así el espectador mantiene una mayor objetividad, esencial para juzgar cualquier proceso de degradación del ser humano”. Bien aprovechada la luminotecnia, ‘la suficiente’, vestuario adecuado, conforme pasa el tiempo muestra la sangre que va manchando paulatinamente la ropa del torturado, lo que da credibilidad y estimula la imaginación del ‘respetable público’, ya que como lo indica el autor: “en el teatro se convierte en una agresión demasiado directa al espectador y, en consecuencia, pierde mucho de su posibilidad removedora”. Los dos actores con gran capacidad histriónica, demostraron entender la psicología de su personaje, de tal suerte que tuvieron la capacidad de dar matices a su voz, volumen, dicción, claros subtextos, expresión corporal y facial, consiguiendo una buena transmisión de sentimientos y emociones, bajo una excelente dirección de Edgar Bucio, que mantuvo el ritmo, tono y time. ¡FELICIDADES!   

 

En caso de vida o muerte, se debe

estar siempre con el más prójimo.

Antonio Machado.

 

 

Deja un comentario

*

Diseño web
Ak Diseño / 2017